بودكاست التاريخ

لوحة جنائزية تعرض مشهد مأدبة من ثاسوس

لوحة جنائزية تعرض مشهد مأدبة من ثاسوس


نايسكوس في العمارة الجنائزية لليونانيين القدماء

نوع من شواهد القبور في اليونان القديمة ، معظمها في القرنين الرابع والخامس قبل الميلاد. قلدت شكل تمبلوم في مضادأي أنه يشبه معبدًا صغيرًا بالترتيب الكلاسيكي به أنتاس أو أعمدة أو أعمدة وقوس زخرفي ، مزين أيضًا بأشكال في الواجهة. عادة ما تمتلئ التلة (مقدمة الكتاب) بالمناظر العائلية بارتفاع عالٍ ، حيث يظهر الموتى داخل المنزل إلى جانب الأحياء. أيضًا & # 8220 [بعض] النقوش الهلنستية الموجودة في خليج غراما ، [في البحر الأيوني لألبانيا] ، موضوعة داخل naiskos ، وفي هذه الحالة فإن السياق الديني هو استدعاء لـ Castor و Pollux ، [ ] ديوسكوروي [في الأساطير اليونانية والرومانية] ، من أجل ممر آمن عبر البحر الأدرياتيكي ، بدلاً من الدفن & # 8221 (& # 8220Naiskos & # 8221 2020).

تم تطوير شكل naiskos من شواهد القبور العلية في النصف الثاني من القرن الرابع قبل الميلاد. في البداية كانت بسيطة في الشكل ، مع مرور الوقت اكتسبوا شكلًا أكثر تعقيدًا يشير إلى واجهة معبد يوناني به قاعدة مدعومة بأعمدة.

تظهر واجهة Naiksos أيضًا كعنصر زخرفي في الفخار الجنائزي & # 8220 أسود الشكل والفخار ذو الشكل الأحمر لليونان القديمة في Loutrophoros و Lekythos والأواني ذات الشكل الأحمر في Apulia في جنوب إيطاليا ، [القرن الرابع قبل الميلاد. ] & # 8221 (& # 8220Naiskos & # 8221 2020).

يمكن أيضًا ملاحظة نمط مماثل من شواهد القبور الجنائزية في ما يسمى aedicula ، وهو نموذجي للفن الروماني.

صورة مميزة: شاهدة جنائزية على طراز نايسكوس لسيزيكوس (بلدة ميسيا القديمة في الأناضول ، في مقاطعة باليكسير الحالية في تركيا) ، مع نقش زخرفي بارز منقوش على الصفيحة: "أتالوس ، ابن أسكليبيودوروس ، تحية!" مصنوع من الرخام ، من الربع الثاني للقرن الثاني قبل الميلاد. تمثل لوحة المأدبة الجنائزية ، من اليسار إلى اليمين ، خادمًا يحمل شيئًا دائريًا ، ربما نموذجًا لعائلة أرسينويون في Samothrace ، وهي امرأة جالسة ، ورجلًا نصف مستلقٍ يحمل قنينة يشرب فيها ثعبان ، وصبي ساقي. قسم الآثار اليونانية والإترورية والرومانية ، دينون ، الطابق الأرضي ، الغرفة 11 (متحف اللوفر ، باريس ، فرنسا). تصوير Jastrow (2008). ائتمان قدمه دبليو إتش وادينجتون ، (1854). CC BY 3.0. اقتصاص الصورة. مصدر الصورة والتعليق: ويكيميديا ​​كومنز (2021).

& # 8220Naiskos & # 8221 (2020). في: ويكيبيديا. الموسوعة الحرة. متاح على & lthttps: //bit.ly/3bQQvhL>. [تم الوصول إليه في 28 فبراير 2021].

& # 8220Naiskos & # 8221 (2020). في: ويكيبيديا. Wolna Encyklopedia. متاح على الرابط التالي & lthttps: //bit.ly/2PkkoiN>. [تم الوصول إليه في 28 فبراير 2021].

& # 8220 Naiskos stele of Cyzicus & # 8221 (2021). في: ويكيميديا ​​كومنز. متاح على الرابط التالي & lthttps: //bit.ly/3bHRUaa>. [تم الوصول إليه في 28 فبراير 2021].

PWN (2007). Słownik terminologiczny sztuk pięknych ، ص. 274. Kubalska-Sulkiewicz K. ، Bielska-Łach M. ، Manteuffel-Szarota A. eds. Wydanie piąte. وارسو: Wydawnictwo Naukowe PWN.

شارك هذا:

مثله:

متعلق ب

اترك رد إلغاء الرد


سوسة ، قطع المتحف

سوسة (العيلامية ، بابلي: Šušim اليونانية τὰ Σοῦσα): عاصمة عيلام ، المقر المفضل للملك الفارسي داريوس الأول الكبير.

مقتنيات المتحف من سوسة

وجدت العديد من الأشياء من Susa طريقها إلى المتاحف في إيران وأوروبا. يحتوي الموقع نفسه على متحف صغير لطيف يمكن العثور على العديد من الأشياء الأخرى في متحف اللوفر في باريس ، لأن الحفارات الأولى كانت من فرنسا. ليس من المستغرب العثور على أشياء أخرى في المتحف الوطني في طهران. يدين المتحف البريطاني في لندن بجزء من مجموعته إلى الاستغلال البريطاني لحقول النفط في خوزستان.

تُظهر الصورة الأولى لوحًا طينيًا مكتوبًا بشكل جميل مع نص داريوس الأول العظيم المعروف باسم DSe: قائمة المرزبانيات للإمبراطورية الأخمينية. يمكن العثور على النص الكامل وترجمة هذه الوثيقة هنا.

فيما يلي بعض الأشياء الأخرى من المتاحف التي سبق ذكرها ، مرتبة ترتيبًا زمنيًا إلى حد ما مع أقدم الأشياء أولاً.

الألفية الثالثة قبل الميلاد

Susa ، ارتياح ستون مع مشهد مأدبة

الألفية الثانية قبل الميلاد

Susa ، نموذج Middle-Elamite لطقوس الشمس

سوزا ، وسط العيلاميات الأساسية لآلهة المحاربين

Susa ، إهداء إلى Inšušinak

سوزا ، تمثال للملكة نابيراسو ، زوجة أونتاس نابيرشا

أفضل اكتشاف أثري معروف من شوش هو بلا شك لوحة الديوريت مع قوانين الملك البابلي حمورابي (حكم 1792-1750) ، والتي تم أخذها بعيدًا عندما نهب العيلاميون بابل. تُظهر عاصمة اللوحة كيف يصلي حمورابي لإله الشمس شمش. القوانين مكتوبة تحت هذه الصورة.

أهمية اللوائح فإنه لا يزال غير واضح. في مجتمع كانت غالبيته من الأميين ، لن يعرف الناس أبدًا حقوقهم إذا اعتمدوا على نص مكتوب ، ومن المحتمل أن اللوحة كانت في الواقع تهدف فقط إلى إظهار الآلهة الأبدية أن الملك كان رجلاً عادلاً ، أو حاول أن تكون.


2 الحداد الرسمي

وهكذا بدأت فترة الحداد الرسمية خلال البدلة. بشكل عام ، كان هناك تمييز بين طريقة حزن الرجل والمرأة. الرجال عادة لا يظهرون المشاعر ويتصرفون بطريقة رسمية ومنفصلة. في التمثيلات الفنية للبدلة ، غالبًا ما ينتظر رب الأسرة الذكر لتحية الضيوف على بعد مسافة من الجسد.

في المقابل ، وقفت القريبات بالقرب من الجسد ، ينتحبن ويومحن بعنف ، بما في ذلك شد شعرهن. وكان رئيس المعزين والدة أو زوجة المتوفى. وقفت بالقرب من رأسها وغالباً ما تمسكه بيديها حزناً.


شاهدة جنائزية تعرض مشهد مأدبة من ثاسوس - التاريخ

Nombre de mots: 1708 متر
Publi en ligne le 2019-10-31
الاقتباس: Histara les comptes rendus (ISSN 2100-0700).
ليان: http://histara.sorbonne.fr/cr.php؟cr=3652
Lien pour القائد م ليفر

يشكل المجلد الحالي تكملة للمجلد الأول الذي كتبه نفس المؤلف عن آثار ثاسوس (B. والنقوش المعمارية الموجودة في جزيرة ثاسوس. يفحص المجلد الجديد النقوش النذرية والخطيرة ذات المحتوى البطولي من ثاسوس. ويتم تمثيلها في مخططين أساسيين للتكوين: مخطط الفارس ، ومشهد المأدبة مع البطل المتكئ. لذلك يتم توضيح الدراسة في قسمين ، على التوالي.

توضح المقدمة مفهوم البطل والبطولة في الثقافة اليونانية القديمة وفقًا للأطروحة الحالية للبحث الأثري الحديث وتحقق في أصول التقاليد الأيقونية ، تقليد الفارس ومشهد المأدبة ، اللذين ظهر لأول مرة في الهندسة اليونانية القديمة. الفن القائم على العادات الأرستقراطية للمجتمع اليوناني المبكر. تظهر النقوش النذرية المخصصة للبطل أولاً ويتم استبدالها لاحقًا ، بشكل رئيسي من الفترة الهلنستية المتأخرة إلى أواخر العصور القديمة ، بواسطة اللوحات الجنائزية التي أقيمت للموتى البطولات. قد تتعايش هاتان الفئتان في بعض الأحيان في نصب تذكاري أو قد يصعب اكتشاف وظيفة نصب تذكاري فردي في بعض الحالات ، بسبب عدم وجود نقش مصاحب. علاوة على ذلك ، يتميز هذا الانتقال بانخفاض الجودة الفنية لهذه القطع الأثرية خاصة خلال فترة الإمبراطورية الرومانية. أخيرًا ، يقدم المؤلف بإيجاز شهادات وافرة عن وجود طوائف بطولية في ثاسوس.

تم ترتيب القسمين الرئيسيين من الكتاب بطريقة مماثلة. ويتبع إدخالات الفهرس الشاملة في كل حالة تعليق أيقوني. الترقيم مستمر من المجموعة السابقة للنقوش النذرية التازية (I ، 1993) إلى قسمي المنشور الحالي. تعود النقوش التي تمت مناقشتها في المجلد الحالي إلى الفترة الكلاسيكية المبكرة إلى القرن الثالث الميلادي.

القسم الأول. موضوع الفارس

تنقسم نقوش الفرسان البالغ عددها 52 إلى أربع مجموعات وفقًا لأيقوناتهم ، أ) عيد الغطاس المهيب للبطل الذي يقف بجانب حصانه غير المتحرك ، ب) الفارس يمتطي ببطء ، ج) الفارس الراكض الذي يصور كمحارب ، د) يظهر الفارس كصياد الخنازير. يتم فحص كل مجموعة بدقة ويتبع تطورها الزمني في مجموعة النقوش التازية. ومع ذلك ، يبحث المؤلف أيضًا عن جذور هذا التقليد في مناطق يونانية أخرى ، وبالتحديد في أتيكا وشمال اليونان وجزر بحر إيجة ومنطقة بونتيك ، وكذلك آسيا الصغرى ، ويؤكد ، عند وجوده ، المساهمة المحلية في تكوين نوع أيقوني معين. أكثر الأنواع التي يتم تصويرها بشكل متكرر هي تلك الخاصة بالفارس الراكض الذي يتم تصويره على أنه صياد ، والذي يظهر في 39 نصب تذكاري للإغاثة. العنصر المهم هنا هو صيد الخنزير ، ويُختصر بإظهار رأس الحيوان الذي يتجه نحوه راكب الصيد. ومع ذلك ، تضم هذه المجموعة بعض النقوش التي تصور البطل الراكض وحده ، بدون الخنزير ، في حين أن البعض الآخر مجزأ للغاية وبالتالي فإن الفريسة مفقودة. يفترض المؤلف أنهم جميعًا يصورون بطل صائد الخنازير ، ممثلًا في عرضه الكامل ، مع الرمح في يده اليمنى المرتفعة والركض بسرعة نحو الشجرة التي يتشابك بها الأفعى ويسبقها مذبح ، على الرغم من أنه في بعض الحالات قد يكون الموضوع الرئيسي تبسيط. ومع ذلك ، فإن أغرب حالة في هذه المجموعة من الآثار هي لا. 133 ، الذي يصور فارسًا بحربة في يده المرفوعة يركب ببطء نحو أنثى جالسة تلوح بفرع شجرة ضده.

من الواضح أن سلسلة Thasian مع فارس الصيد هي جزء من التقليد الأيقوني العظيم الذي نشأ في شبه جزيرة Balcan منذ أوائل العصر الإمبراطوري وما بعده ، مكملاً صورة & lsquoThrasian فارس فارس & rdquo ، كما هو معروف في شبه جزيرة Balcan الداخلية وبحر إيجة تراقيا .

الشهادة الكتابية للنقوش مع صائد الخنازير المشحونة في ثاسوس هي إهداء للبطل التراقي / الإله هيرون ، صياد الخنزير بامتياز ، الذي يتبنى نمطًا أيقونيًا شابًا ، بدون لحية. يشير التحليل التالي الذي أجراه المؤلف إلى أنه خلال القرن الأول قبل الميلاد في البيئة الفنية متعددة الثقافات إما في ثيسالونيكي أو مدينة يونانية أخرى في خليج بونتيك وشمال بحر إيجه مع تقليد نحتي غزير الإنتاج ، مثل ثاسوس ، أتباع الإله التراقيين ، ربما ليبيراتي، طلب مع فنان يوناني لتصوير هيرون في مغامرته الأسطورية الرئيسية ، مغامرة صيد الخنازير. امتد هذا النوع الأيقوني الجديد بعد ذلك إلى مقدونيا وبونتوس وشمال بحر إيجه ، ومن منتصف القرن الأول الميلادي فصاعدًا إلى داخل بالكان وتراقيا ، مشكلاً تقليدًا أيقونيًا استمر حتى منتصف القرن الثالث الميلادي. علاوة على ذلك ، يقدم البطل التراقي هيرون النموذج الأولي لتصوير المتوفى البطل ، وخاصة الشاب الذي يرتدي زي الفارس الذي يركب على قبره. بالطبع ، هناك استثناءات لهذه القاعدة العامة ، منذ ذلك الحين في نقوش القبور لا. 132-133 المتوفى هو الأقل تشابهًا مع الإله هيرون ، حيث يُصوَّر ملتحًا. علاوة على ذلك ، في رأيي ، لا يزال السؤال مفتوحًا عما إذا كان في مناطق أخرى ، لا سيما في شمال اليونان حيث لا يوجد دليل على عبادة مالك الحزين ، فإن تصوير فارس شاب في مشهد صيد بدون الخنزير على نقوش القبور يحمل في الواقع. أي علاقة بهذا الشكل البطولي النموذجي.

القسم الثاني. موضوع المأدبة

يعد المخطط الأيقوني لبطل المأدبة على إغاثة نذرية أكثر إبداعًا أصليًا لورشة باريان ثازيان ، التي تم تطويرها لأول مرة في النصف الثاني من القرن السادس قبل الميلاد في المرجع النحت لكل من المدينة والمستعمرة ، في ظل العادات الاجتماعية من العالم الأرستقراطي الشرقي ، وتم تصديره لاحقًا إلى أتيكا. تم تقديم الدليل من خلال النقوش الأثرية الضخمة المتأخرة في متاحف باروس واسطنبول. في ثاسوس ، يتم تضخيم الموضوع من منتصف القرن الرابع وما بعده. بعض الأمثلة في هذه المجموعة التي تضم 175 نقشًا ، تُظهر بوضوح تأثير العلية ، بينما البعض الآخر من مفهوم محلي (ثاسيان). يدرس المؤلف بدقة التطور الأيقوني للتركيبات على هذه النقوش الثازية. يناقش عدد الأشخاص الذين تم تصويرهم ، الشخصيات الرئيسية والثانوية ، بالإضافة إلى الأيقونات الخاصة بهم. الشخصية الرئيسية هي البطل المتكئ الذي ترافقه شخصية أنثوية جالسة ، مصورة دائمًا محجبة. هذه هي رفيقته الأنثى ، أي قرينته ، لكن دورها متناقض ومتناقض مع المأدبة اليونانية ، حيث غابت زوجات المشاركين الذكور ، مما يعطي هذه الصور انطباعًا عن مأدبة زائفة. الخادم الذي يسكب النبيذ هو شخص مكمل آخر في مشاهد المأدبة هذه ويظهر في أوضاع مختلفة ، بجوار فوهة البركان أو الديناصورات التي تحتوي على النبيذ أو يرتب الثمار على الطاولة الموضوعة أمام صوفا مأدبة ورسكووس. في بعض الأحيان يتم تصوير اثنين من الخدم بترتيب متماثل على حواف التمثيل. في القرن الرابع قبل الميلاد ، قد يتم إثراء المشهد بزخارف بنفس حجم الشخصيات الرئيسية أو في المنمنمات والخطوط المتراكبة ، تمامًا كما هو الحال مع نقوش العلية النذرية. تم أيضًا فحص تصنيف الأرائك والطاولات ، بالإضافة إلى نوع المزهريات المستخدمة في مشهد المأدبة.

على الرغم من أن المخطط الأفقي للتكوين يتناقض مع التصنيف الجنائزي لشكل الشاهدة ، إلا أن الانتقال من نقوش المأدبة النذرية إلى النقوش البارزة من نفس النوع الأيقوني تم تسهيله في القرنين الثاني والأول قبل الميلاد من خلال إضافة قاعدة عالية أسفل اللوحة. لوحة نقش عليها النقش الجنائزي الذي يشير إلى الميت بطل. بالإضافة إلى ذلك ، وعلى النقيض مما يحدث في مشاهد إغاثة مماثلة في ساموس وآسيا الصغرى خلال الفترة الهلنستية ، فإن تكوين نقوش المأدبة التازيانية يقتصر على عناصرها الأساسية ، مما يسهل التحول من الطابع النذري إلى الطابع الجنائزي. هذه الآثار.

في القرن الثالث الميلادي ، استخدمت نقوش المآدب هذه بشكل عام لتصوير الزوجين أو عائلة المتوفى. علاوة على ذلك ، فإن هذا التكوين مع دلالاته البطولية هو الذي بقي على قيد الحياة بالمقارنة مع نقوش الفرسان في النصف الثاني من القرن. وبهذه الطريقة ، يتضح أن المثل الأعلى للرجل الأرستقراطي يتلاشى خلف القيم الناشئة للإيمان الزوجي والحياة الأسرية ، مع إبراز دور المرأة. تتميز تمثيلات الإغاثة هذه بنقص الجودة الفنية ، ولكنها من ناحية أخرى ، تجسد المثل الاجتماعية. ومع ذلك ، فهذه ممارسة عامة للآثار المماثلة التي تحدث في أجزاء أخرى من العالم اليوناني في أواخر العصور القديمة. أخيرًا ، اكتشف المؤلف وجود تألق أخير لتقليد النحت التازيان المحلي في ورشتي عمل ، تقع كلاهما على الجانب الجنوبي الغربي من الجزيرة ، والتي أنتجت نقوشًا لولائم ذات جودة متواضعة مماثلة خلال النصف الأول من القرن الثالث

يقدم الملحق الأول ارتياحًا من الفترة الإمبراطورية المبكرة يصور مشهدًا لتتويج شخصية فكرية بطلة توجها تجسيد أنثى أمام مذبح ، متبوعًا بعبدين. في الملحق الثاني ، يناقش المؤلف ارتياحًا تذكاريًا للقرن الرابع مع شاب عاري يحمل كلامي ، والذي ربما يكون قد صور شخصية بطولية غير عادية من التقليد الأسطوري التاريخي الثاسي ، مثل مؤسس المدينة و rsquos Theagenes ، الذي كان مكان عبادته ، من كانت المناطق المحيطة التي ظهر منها الارتياح المجزأ تقع في أجورا.

بشكل عام ، هذا الكتاب من تأليف ب. هولتزمان على دراية بأحدث الأطروحات الببليوغرافية حول الموضوعات المعروضة هنا. علاوة على ذلك ، فإن المجلد مصحوب بصور عالية الجودة لكل نصب تذكاري تمت مناقشته. يقدم المؤلف مناقشة ممتعة للغاية ، والتي تقدم حلولًا للمشكلات ذات الصلة بموضوع النقوش البطولية للعالم اليوناني التي تمت مناقشتها في البحث الحديث ، وتكمل فهمنا لإنتاج المنحوتات البارزة في ثاسوس من الفترة القديمة المتأخرة حتى العصور القديمة المتأخرة. سيكون بالتأكيد أمرًا لا غنى عنه لكل باحث يدرس النقوش البطولية للمناطق اليونانية الأخرى التي لا تزال غير منشورة أو قيد التحقيق.

محررون: Lorenz E. Baumer، جامعة جنيف جان بلانك ، جامعة جنيف كريستيان هيك ، جامعة ليل الثالث فرانسوا كيريل المدرسة التطبيقية للدراسات العليا ، باريس
الموقع متوافق مع Lorenz Baumer et François Queyrel et r alis par Lorenz Baumer، 2006/7


جدران الأكروبوليس

بدأنا في تسلق سلسلة التلال التي تؤدي إلى الأكروبوليس ، وسرعان ما وصلنا إلى جزء كبير من الجدار القديم الذي اتبع هذا الاتجاه. مثل كل أعمال البناء في ثاسوس ، كان يتألف من الرخام الأبيض ، حيث كانت الحبوب مرئية في أي مكان يتكسر فيه الحجر وعادة ما كانت الكتل توضع في مسارات أفقية ، على الرغم من أنها في بعض الأماكن كانت مضلعات مرتبة بدقة. توزر
كانت الجدران المبنية بقوة من فترة ما قبل الرومان تحمي الأجزاء الطويلة من الأكروبوليس وقد صمدت أمام ويلات الزمن بما في ذلك بعض الزلازل القوية جدًا التي تستدعي تقنية البناء الخاصة بها إلى الذهن والتي استخدمت في الأكروبوليس في نيسيروس.


لوحة Metternich

. الأمير كليمنس فون ميترنيخ كان الوزير الأول للإمبراطورية النمساوية ورجل الدولة المحافظ الرائد في السياسة الأوروبية من عام 1815 إلى عام 1848. وكان المهندس الرئيسي لـ & quotConcert of Europe ، & quot؛ تحالف القوى العظمى الذي سعى للحفاظ على ركائز النظام القديم- -الملكية ، الارستقراطية ، الكنيسة ، الامتياز- ضد قوى الليبرالية والقومية. كوزير لإمبراطورية متعددة الجنسيات بقيادة ألمانيا ، ميترنيخ كان لديه سبب للخوف من القومية بقدر ما كان يخشى الليبرالية (التي كانت تميل على أي حال إلى السير جنبًا إلى جنب في النصف الأول من القرن التاسع عشر). هدد القوميون داخل الإمبراطورية النمساوية بتأسيس دول قومية صغيرة مستقلة ، وبالتالي تمزيق الإمبراطورية ، بينما سعى القوميون الألمان إلى توحيد الولايات الألمانية اللامركزية ، مما عرض للخطر مكانة النمسا كقوة رئيسية (إلى جانب بروسيا) في الشؤون الألمانية. الأسئلة 1. ما هي & quotfalse systems، & quot the & quoterrors & quot & quot و & quotevils & quot إليهما ميترنيخ يشير في الفقرتين 4 و 5؟ 2. ما هي الأسباب الرئيسية لانهيار الشرعي في مواجهة الثورة؟ 3. أي نوع من الحكومة يفكر فيه عندما يشير إلى الحكومات التي لا تزال & quot؛ حرة & quot؛ في الفقرة 10؟ 4. ما هو الدور الذي يجب أن يلعبه الملك في الحكومة؟ 5.ما هو الإجراء الذي يجب اتخاذه لمنع اندلاع & quot؛ بذرة الثورة & quot؛ من الظهور مرة أخرى؟ مصدر الشر [1] طبيعة الإنسان ثابتة. الأول.

Stela of Mentuwoser مقال

. تحليل ستيلا من Mentuwoser ستيلا Mentuwoser هي قطعة من الفن الجنائزي من فترة الدولة الوسطى التي قدمها الملك Senwosret إلى Mentuwoser لخدماته المخلصة. حقق منتووسر العديد من الإنجازات وكان يعتقد أنه رجل الشعب. ال ستيلا Mentuwoser يظهر احترام الناس له وما فعله لشعب أمته. كما يعطينا نظرة على بعض تقاليد عصره. ال ستيلا يعبر بوضوح عن مقدار الإنجازات التي حققتها منتووسر. غالبية ستيلا من Mentuwoser مأخوذ بالهيروغليفية. تم تفسير هذه الهيروغليفية على أنها تتعلق بكل الأعمال التي قام بها لشعب مصر. تشمل بعض الإنجازات المضمنة أن تكون مضيفًا ومسؤولًا عن مخازن الحبوب ومشرفًا على أي شيء يتعلق بالحيوانات الأليفة. تصف النقوش منتوسر بأنه رجل غير أناني كان يعتني بأشخاص أقل حظا منه. ال ستيلا من الواضح أنها تحية مكتوبة ومرئية لرجل فعل أشياء كثيرة في نكران الذات. الطريقة التي تظهر بها الصورة في الجزء السفلي من ستيلا يعبر بوضوح عن منتووسر باعتباره المحور الرئيسي لهذه القطعة. منتوسر جالس في مأدبة جنازته ، بينما يقدم له والده وابنه وابنته الطعام والشراب. ربما تكون أكثر سمات النحت وضوحًا هي مقياس الأشكال. Mentuwoser أكبر بكثير من.

مقال Metternich و Castlereagh

. من الحرب كانت ميترنيخ النمسا و Castlereagh في بريطانيا العظمى. من أجل بدء السلام في جميع أنحاء أوروبا ، ميترنيخ وكاسلريه وكذلك تشارلز تاليران من فرنسا اختاروا استخدام ميزان القوى لحكم أوروبا. يعني توازن القوى أنه لا توجد دولة في أوروبا تتمتع بقوة أكبر من الأخرى ، فالجميع متساوون. كان لدى جميع الدول قوى سياسية وعسكرية متساوية من شأنها أن تمنع الحرب بين أي دولة وحتى تمنع دولة واحدة من الهيمنة على أوروبا. توازن القوى كان أساس أو أساس ميترنيخ وأفعال Castlereagh. ولكن من أجل الحفاظ على السلام ، لا يمكن أن يكون هناك أساس فقط هناك حاجة أيضًا إلى مستويات أخرى من شأنها أن تغطي المشاكل الأخرى التي تنشأ بين الدول. على سبيل المثال ، عندما أُجبرت إسبانيا والصقليتان في إيطاليا على منح دساتير ليبرالية ضد إرادتهم ، كان هناك شيء يجب القيام به. وبالتالي ميترنيخ وعقد كاسلريه اجتماعًا في تروبو بالنمسا بسبب الخوف من اندلاع الثورة مرة أخرى. في هذا الاجتماع ، ميترنيخ و ألكسندر الأول ركب مبدأ التدخل النشط للحفاظ على جميع الأنظمة الأوتوقراطية كلما تعرضت للتهديد. أدى هذا المبدأ بسرعة إلى إخماد الثورة في إسبانيا والصقليتين. تم وضع المبادئ على رأس أساس توازن القوى للحفاظ على السلام في جميع أنحاء أوروبا بعد عام 1815. ولكن ما الذي يمكن أن يثير احتمالية نشوب حرب؟ ما الذي يمكن أن يسبب التوازن.

Metternich the Leader Essay

. الأمير كليمنس فون ميترنيخ: أيديولوجيته ودوره في التاريخ والقصص التي نرويها. ميترنيخ كان رجلاً ذكيًا للغاية حوّل معتقداته المحافظة إلى سياسة دولية. ميترنيخ كان قائداً واثقاً من الرأي العام أو المشاعر لأنه كان يعتقد أن الرجل العادي كان متقلبًا للغاية في ولاءاته وغير كفء للغاية لفهم حجم السياسة الخارجية. كان مخلصًا وخادمًا ومثلًا للإمبراطور النمساوي ، على الرغم من ذلك ميترنيخ كان الرئيس الحقيقي لحكومة الإمبراطورية. الأمير كليمنس فون ميترنيخ كان فردًا معقدًا جسد مبادئ التيار المحافظ في القرن التاسع عشر ، ومن خلال مؤتمره في فيينا ، قاد القوى الأوروبية الكبرى إلى فترة من السلام الدائم وتوازن قوى قوي. ميترنيخ معروف جيدًا بـ ميترنيخ النظام ، الذي تم وضعه موضع التنفيذ خلال نجاحه الملحوظ ، مؤتمر فيينا عام 1815. ميترنيخ، بالإضافة إلى ذلك ، كانت الروح المرشدة للمؤتمرات الدولية ، آخن ، كارلسباد ، تروبو ، لايباخ ، وفيرونا وكان رجل الدولة الرئيسي في التحالف المقدس. على الرغم من ذلك ، كان مؤتمر فيينا والاتفاقيات التي تلت ذلك هي الأساس للحرب التي شاركت فيها العديد من القوى حتى نزاعات القرم في خمسينيات القرن التاسع عشر ولم تكن هناك حرب كبرى تورط فيها أوروبا بأكملها حتى عام 1914. .

مقال بسمارك وميتيرنيش

. قارن وقارن بين أهداف السياسة الخارجية وإنجازات ميترنيخ (1815-1848) وبسمارك (1862-1890) ميترنيخ وكان لدى بسمارك العديد من الأهداف الخارجية في الاعتبار. أدى الكثير منها إلى إنجازاتهم العظيمة. ميترنيخ كان منشئًا رئيسيًا لمؤتمر فيينا يعارض أفكار الليبراليين والإصلاحيين الذين أرادوا إعادة السلطة إلى الأسر الحاكمة التي أطاحت بها الثورات السابقة. سعى بسمارك لتوحيد ألمانيا من خلال الانخراط في حروب بما في ذلك الحرب الدنماركية والحرب النمساوية البروسية وأخيراً الحرب الفرنسية البروسية. نتج عن العديد من أهداف Metternich و Bismarck إنجازاتهما. إرثه الأهم هو توحيد ألمانيا. على حد سواء، ميترنيخ وسعى بسمارك لتحقيق الوحدة والاستقرار لدولهما ، ولكن بطرق مختلفة. في حين ميترنيخ كان يعمل بجد باستخدام مهاراته الدبلوماسية في محاولة لمنع التوحيد الألماني خلال النصف الأول من القرن التاسع عشر ، من ناحية أخرى كان بسمارك معروفًا باسم المستشار الحديدي ، في أواخر القرن التاسع عشر ، تم تعيين ألمانيا من خلال حروبه العديدة. أولا - أهداف السياسة الخارجية وإنجازات ميترنيخ ألف- مؤتمر فيينا 1. ميترنيخ كان أحد القادة الرئيسيين في تأسيس مؤتمر فيينا. 2. أنشأ الكونغرس الاتحاد الألماني ، ليحل محل الإمبراطورية الرومانية المقدسة المنحلة. كما كانت تتألف من تسعة وثلاثين.

مقال عن تحليل اللوحة الجنائزية

. الجنائزية ستيلا تم إنشاؤه في الأسرة العشرين - حوالي 1190 إلى 1075 قبل الميلاد في عنيبة ، النوبة ، مصر. القطعة شيدت من الحجر الرملي الملون لمقبرة ميري ، الرجل الذي أشرف على خزانة الملك. تم تصوير قصة مصرية عن إله الشمس رع بالإضافة إلى الكتابة الهيروغليفية لترنيمة لرع على النقش. العمل الفني الجنائزي ستيلا، يمثل افتتان المصريين بآلهتهم العديدة والحياة الآخرة. كان المصريون مشركين للآلهة وعبدوا العديد من الآلهة مثل رع وأنوبيس وأوزوريس وإيزيس وآخرين. بالنسبة للمصريين ، كان رع إله الشمس وخالق كل شيء. أراد المصريون بشدة أن يعيشوا في الآخرة بعد وفاتهم ، لذلك شاركوا في العديد من التقاليد والطقوس لتحديد مصيرهم في الحجر. لقد اعتقدوا أن الشمس كانت موجودة في الآخرة ، لذلك حاولوا إنشاء مسارات على سبيل المثال ، تم بناء الأهرامات العظيمة "كنقاط انطلاق" في الحياة الآخرة. سيحتفظون بالقطع الفنية في مقابرهم لزيادة فرصهم. ربما تم استخدام النقش كقربان أو عريضة [للعيش في الآخرة] لإله الشمس. في الجنائز لوحة، تم تصوير ميري مع الآلهة رو هاخت وماعت وأوزوريس وإيزيس وميري على الأرض وعائلة وخدام. ربما يُظهر المشهد العلاقة بين البشر والآلهة أثناء الموت. يقف مري على وجه التحديد أمام أوزوريس ، الإله الأكثر ارتباطًا بإحياء ذكرى الموتى والتجديد الذي كان عليه.

مقال عن الأمير مترنيخ

. 2 الأمير ميترنيخ أمير ميترنيخ ولد في كوبلنز في 15 مايو 1773. مدين بمعظم تعليمه المبكر لأمه لأن والده لم يظهر أي اهتمام بتعليمه. في عام 1788 ، ميترنيخ التحق بجامعة ستراسبورغ وشغل منصب وزير خارجية الإمبراطورية النمساوية من 1809 إلى 1848 وأعاد النمسا إلى قوتها السابقة بعد الحروب النابليونية المدمرة. شغل مناصب مستمرة في الشؤون الأوروبية لما يقرب من 40 عامًا. كانت إحدى مهامه الأولى إقامة انفراج مع فرنسا شمل زواج نابليون من الدوقة النمساوية ماري لويز. بعد ذلك بوقت قصير قام بتصميم دخول النمسا في حرب التحالف السادس على جانب الحلفاء ، ووقع معاهدة فونتينبلو التي أرسلت نابليون إلى المنفى. تقديراً لخدمته للإمبراطورية النمساوية ، تم ترقيته إلى لقب أمير في أكتوبر 1813. أمير ميترنيخ قيادة مؤتمر فيينا. لقد ساعد في إعادة توازن القوى لجميع أوروبا واقترح منظمة لحفظ السلام تسمى Concert of Europe. حاول استعادة الملوك الوراثيين الذين فقدوا السلطة ولكن انتهى بهم الأمر فقط إلى جعل الناس يفضلون القومية. تحت إشرافه ، فإن & quotميترنيخ استمر نظام & quot المؤتمرات الدولية لعقد آخر حيث انضمت النمسا إلى روسيا وبروسيا. كان هذا بمثابة ذروة الأهمية الدبلوماسية للنمسا ، ولكن قريبًا ميترنيخ ببطء.

مقال نظام Metternich

. لقد صعد إلى السلطة بسبب انتصاراته وسقط بسبب هزائمه ". جاء تأثير مترنيخ قبل نهاية نظام نابليون. "ميترنيخ تم تعيينه وزيرًا للخارجية لأول مرة في عام 1809 ، وكانت إمبراطورية هابسبورغ في أدنى مستوياتها في صراعها ضد نابليون. كان الزعيم الفرنسي قد أجبر الإمبراطورية على الخروج من أراضيها في شمال إيطاليا ، واستولى على هولندا النمساوية وأدخل أجزاء هابسبورغ من بولندا في دوقية وارسو. كما تم تحطيم هيمنة هابسبورغ على ألمانيا نتيجة لتفكك الإمبراطورية الرومانية المقدسة. كانت هذه ضربة نفسية قوية بشكل خاص لشعور السلالة بقيمة الذات: كان آل هابسبورغ أباطرة رومان مقدسين تقريبًا طوال الأربعمائة عام الماضية وفجأة لم يعد لهم وجود. ولزيادة الطين بلة ، غيّر هذا العمل الخاص لتحديث نابليون لقب إمبراطور هابسبورغ من فرانسيس الثاني ، الإمبراطور الروماني المقدس ، إلى فرانسيس الأول ، إمبراطور هابسبورغ المتبقية. واحدة من المرات القليلة في التاريخ التي تم فيها تخفيض قيمة الملك ". هُزم نابليون في عام 1815 ، وبعد ذلك تم اتخاذ المبادرة من خلال توظيف مؤتمر فيينا 1814-1815 ، لاستعادة الاستقرار السياسي للأوروبي الهش الذي كان نابليون قد عرضه للخطر. ترأس مؤتمر فيينا كليمنس وينزل فون ميترنيخ، كان هدفها معالجة القضايا التي نشأت من الثورة الفرنسية والحروب النابليونية. هذه التسوية.


هذه المجموعة

  • حسب تاريخ الإصدار
  • المؤلفون
  • الألقاب
  • المواضيع
  • المؤتمرات
  • الناشرون
  • كتب
  • المدارس
  • المجلات
  • حسب التاريخ المتاح
  • أنواع

محتويات

لاسكو ، الثيران والخيول

الثور، في القاعة الكبرى للشرطة ، كهف التاميرا ، إسبانيا

الصور التوضيحية من المعرض الكبير ، حديقة كانيونلاندز الوطنية ، حدوة الحصان ، يوتا ، ج. 1500 قبل الميلاد

Cueva de las Manos (الإسبانية من أجل كهف الأيدي) في مقاطعة سانتا كروز في الأرجنتين ، ج. 550 قبل الميلاد [ بحاجة لمصدر ]

يعود تاريخ الرسم بالزمن إلى قطع أثرية من فناني ما قبل التاريخ ، ويمتد عبر جميع الثقافات. أقدم اللوحات المعروفة موجودة في Grotte Chauvet في فرنسا ، والتي ادعى بعض المؤرخين أن عمرها حوالي 32000 عام. تم نقشها ورسمها باستخدام المغرة الحمراء والصبغة السوداء وتظهر الخيول أو وحيد القرن أو الأسود أو الجاموس أو الماموث أو يصطاد البشر في كثير من الأحيان. توجد أمثلة لرسومات الكهوف في جميع أنحاء العالم - في فرنسا والهند وإسبانيا والبرتغال والصين وأستراليا وما إلى ذلك. هناك العديد من الموضوعات المشتركة في جميع أنحاء الأماكن المختلفة التي تم العثور فيها على اللوحات مما يدل على عالمية الهدف وتشابه النبضات التي قد تكون مصدر إلهام للفنانين لإنشاء الصور. تم إجراء تخمينات مختلفة حول المعنى الذي تحمله هذه اللوحات للفنانين الذين صنعوها. قد يكون رجال ما قبل التاريخ قد رسموا حيوانات "لالتقاط" أرواحهم أو أرواحهم من أجل اصطيادهم بسهولة أكبر ، أو قد تمثل اللوحات رؤية روحانية وتكريمًا للطبيعة المحيطة ، أو قد تكون نتيجة لحاجة أساسية للتعبير هي فطرية للبشر ، أو قد تكون تسجيلات لتجارب حياة الفنانين والقصص ذات الصلة من أعضاء دائرتهم.

مصر واليونان وروما تحرير

شاهدة مرسومة بالأميرة نفرتيابيت (ابنة خوفو) ، الأسرة الرابعة ، المملكة القديمة ، القرن السادس والعشرون قبل الميلاد

يحرث سنجم حقوله بزوج من الثيران، ج. 1200 ق

مصر القديمة،الإلهة إيزيس، لوحة الحائط ، ج. 1360 ق

لوحات بيتسا ، واحدة من اللوحات القليلة الباقية من اليونان القديمة ، ج. 540-530 ق

تفاصيل مأدبة جدارية من قبر أجيوس أثاناسيوس ، سالونيك ، اليونان ، القرن الرابع قبل الميلاد

لوحة جدارية لجندي مقدوني قديم (ثوراكيتي) يرتدي درع chainmail ويحمل أ ثوريوس درع القرن الثالث قبل الميلاد

الفن الروماني ، لوحات جدارية لفيلا Boscoreale ، ج. 40 ق

مشهد المأدبة ، في الهواء الطلق ، هيركولانيوم ، إيطاليا ، ج. 50 ق

فن روماني من بيت فيتي ، بومبي ، القرن الأول الميلادي

كيوبيد يلعب بالقيثارة ، لوحة جدارية رومانية من هيركولانيوم

لوحة جدارية رومانية عليها فينوس جالس ، ما يسمى ب "ديا باربيريني" ، القرن الرابع الميلادي

زجاج روماني عليه تمثال مصارع ملون ، تم العثور عليه في بغرام ، أفغانستان (كانت ذات يوم جزءًا من المملكة اليونانية البكتيرية ، ثم تحت إمبراطورية كوشان) ، 52-125 م [12]

كنيس دورا أوروبوس ، سوريا الرومانية ، لوحة جدارية تظهر ديفيد مسحه صموئيل ، القرن الثالث الميلادي

مصر القديمة ، حضارة ذات تقاليد قوية في الهندسة المعمارية والنحت (كلاهما مطلي في الأصل بألوان زاهية) ، كان لديها العديد من اللوحات الجدارية في المعابد والمباني ، ورسومات توضيحية على مخطوطات البردي. غالبًا ما تكون اللوحات الجدارية واللوحات الزخرفية المصرية رسومية ، وأحيانًا تكون رمزية أكثر من الواقعية. تصور اللوحة المصرية شخصيات في مخطط جريء وصورة ظلية مسطحة ، حيث يكون التناظر سمة ثابتة. ترتبط اللوحة المصرية ارتباطًا وثيقًا بلغتها المكتوبة - المسماة بالهيروغليفية المصرية. تم العثور على الرموز المرسومة من بين الأشكال الأولى للغة المكتوبة. رسم المصريون أيضًا على الكتان ، الذي بقيت بقايا منه اليوم. نجت اللوحات المصرية القديمة بسبب المناخ الجاف للغاية. ابتكر المصريون القدماء لوحات لجعل الحياة الآخرة للمتوفى مكانًا ممتعًا. تضمنت الموضوعات رحلة عبر العالم الآخر أو آلهة حمايتهم لتعريف الموتى بآلهة العالم السفلي. بعض الأمثلة على هذه اللوحات هي لوحات للآلهة رع وحورس وأنوبيس ونوت وأوزوريس وإيزيس. تُظهر بعض رسومات المقابر الأنشطة التي شارك فيها المتوفى عندما كانوا على قيد الحياة ورغبوا في الاستمرار في القيام بها إلى الأبد. في الدولة الحديثة وما بعدها ، تم دفن كتاب الموتى مع الشخص المدفون. كان يعتبر مهمًا لمقدمة إلى الحياة الآخرة.

إلى الشمال من مصر كانت الحضارة المينوية في جزيرة كريت. تشبه اللوحات الجدارية الموجودة في قصر كنوسوس تلك التي رسمها المصريون ولكنها أكثر حرية في الأسلوب.

حوالي 1100 قبل الميلاد ، غزت القبائل من شمال اليونان اليونان واتخذ فنها اتجاهًا جديدًا. إن ثقافة اليونان القديمة جديرة بالملاحظة لمساهماتها البارزة في الفنون البصرية. يعطي الرسم على فخار اليونان القديمة والسيراميك لمحة مفيدة بشكل خاص عن الطريقة التي كان يعمل بها المجتمع في اليونان القديمة. لا تزال العديد من الأمثلة الرائعة لطلاء الزهرية ذات الشكل الأسود ولوحة الزهرية ذات الشكل الأحمر موجودة. بعض الرسامين اليونانيين المشهورين الذين عملوا على الألواح الخشبية والمذكورة في النصوص هم Apelles و Zeuxis و Parrhasius ومع ذلك ، مع استثناء واحد لألواح Pitsa ، لا توجد أمثلة على لوحة اللوحة اليونانية القديمة ، فقط الأوصاف المكتوبة من قبل معاصريهم أو الرومان في وقت لاحق. عاش Zeuxis في القرن الخامس قبل الميلاد وقيل أنه أول من استخدم sfumato. وفقًا لبليني الأكبر ، كانت واقعية لوحاته لدرجة أن الطيور حاولت أكل العنب المطلي. يوصف Apelles بأنه أعظم رسام في العصور القديمة ، وهو معروف بتقنياته المثالية في الرسم ، واللون اللامع ، والنمذجة.

تأثر الفن الروماني باليونان ويمكن اعتباره جزئيًا سليل الرسم اليوناني القديم. ومع ذلك ، فإن الرسم الروماني له خصائص فريدة مهمة. تشمل اللوحات الرومانية الباقية على قيد الحياة اللوحات الجدارية واللوحات الجدارية ، والعديد من الفيلات في كامبانيا ، في جنوب إيطاليا في مواقع مثل بومبي وهيركولانيوم. يمكن تجميع هذه اللوحة في 4 "أنماط" أو فترات رئيسية [13] وقد تحتوي على الأمثلة الأولى من trompe-l'œil والمنظور الزائف والمناظر الطبيعية الصافية. [14] تقريبًا اللوحات الوحيدة التي بقيت على قيد الحياة من العالم القديم هي عدد كبير من صور التابوت من تمثال نصفي تم العثور عليها في المقبرة العتيقة المتأخرة بالفيوم. على الرغم من أن هذه لم تكن من أفضل الفترات ولا من أعلى جودة ، إلا أنها مثيرة للإعجاب في حد ذاتها ، وتعطي فكرة عن الجودة التي يجب أن يتمتع بها أفضل عمل قديم. بقي أيضًا عدد صغير جدًا من المنمنمات من الكتب المصورة المتأخرة العتيقة ، وعدد أكبر نسبيًا من نسخ منها من فترة العصور الوسطى المبكرة.

تحرير العصور الوسطى

مورجان ليف، من الكتاب المقدس وينشستر 1160–75 ، مشاهد من حياة داود

بونافينتورا بيرلينجيري ، القديس فرنسيس الأسيزي, 1235

أدى ظهور المسيحية إلى إضفاء روح مختلفة وهدف إلى أنماط الرسم. ركز الفن البيزنطي ، بمجرد تأسيس أسلوبه بحلول القرن السادس ، بشكل كبير على الاحتفاظ بالأيقونات والأسلوب التقليدي ، وتطور تدريجياً خلال آلاف السنين من الإمبراطورية البيزنطية والتقاليد الحية للرسم الأيقوني اليوناني والروسي الأرثوذكسي. تتمتع اللوحة البيزنطية بشعور هيراطيقي وكانت الأيقونات وما زالت تُنظر إليها على أنها تمثيل للوحي الإلهي. كان هناك العديد من اللوحات الجدارية ، لكن القليل منها نجا من الفسيفساء. تمت مقارنة الفن البيزنطي بالتجريد المعاصر ، في تسطيحه وتصويره بأسلوب منمق للغاية للأشكال والمناظر الطبيعية. تعتبر بعض فترات الفن البيزنطي ، وخاصة ما يسمى بالفن المقدوني في القرن العاشر ، أكثر مرونة في النهج. نجت لوحات جدارية من عصر النهضة الباليولوجية في أوائل القرن الرابع عشر في كنيسة تشورا في اسطنبول.

في أوروبا ما بعد الكاثوليكية القديمة ، كان أول أسلوب فني مميز ظهر والذي تضمن الرسم هو الفن الجزائري للجزر البريطانية ، حيث كانت الأمثلة الوحيدة الباقية هي المنمنمات في المخطوطات المضيئة مثل كتاب كيلز. [15] وهي الأكثر شهرة بزخارفها التجريدية ، على الرغم من تصوير الأشكال وأحيانًا المشاهد أيضًا ، خاصةً في اللوحات الإنجيلية. بقي الفن الكارولنجاني والأوتوني في الغالب في المخطوطات ، على الرغم من بقاء بعض اللوحات الجدارية ، وتم توثيق المزيد. يجمع فن هذه الفترة بين التأثيرات الجزائرية و "البربرية" مع التأثير البيزنطي القوي والطموح لاستعادة الأثر الكلاسيكي والتوازن.

تم تزيين جدران الكنائس الرومانية والقوطية بلوحات جدارية بالإضافة إلى المنحوتات والعديد من اللوحات الجدارية القليلة المتبقية لها كثافة كبيرة ، وتجمع بين الطاقة الزخرفية لفن Insular مع نصب تذكاري جديد في معالجة الأشكال. المزيد من المنمنمات في المخطوطات المضيئة باقية من تلك الفترة ، تظهر نفس الخصائص ، والتي استمرت حتى العصر القوطي.

أصبحت لوحة اللوحة أكثر شيوعًا خلال فترة الرومانسيك ، تحت التأثير الشديد للرموز البيزنطية. قرب منتصف القرن الثالث عشر ، أصبح فن العصور الوسطى والرسم القوطي أكثر واقعية ، مع بدايات الاهتمام بتصوير الحجم والمنظور في إيطاليا مع Cimabue ثم تلميذه جيوتو. من Giotto on ، أصبح التعامل مع التركيب من قبل أفضل الرسامين أكثر حرية وابتكارًا. وهما يعتبران من أعظم أسياد الرسم في العصور الوسطى في الثقافة الغربية. استخدم Cimabue ، ضمن التقاليد البيزنطية ، مقاربة أكثر واقعية ودرامية لفنه. نقل تلميذه ، جيوتو ، هذه الابتكارات إلى مستوى أعلى والذي بدوره وضع الأسس لتقليد الرسم الغربي. كان كلا الفنانين رائدين في التحرك نحو الطبيعية.

تم بناء الكنائس مع المزيد والمزيد من النوافذ وأصبح استخدام الزجاج الملون عنصرًا أساسيًا في الديكور. تم العثور على أحد أشهر الأمثلة على ذلك في كاتدرائية نوتردام دي باريس. بحلول القرن الرابع عشر ، أصبحت المجتمعات الغربية أكثر ثراءً وثقافةً ، ووجد الرسامون رعاة جددًا في طبقة النبلاء وحتى البرجوازية. اتخذت المخطوطات المضيئة طابعًا جديدًا وظهرت نساء البلاط النحيفات اللواتي يرتدين أزياء عصرية في مناظرهن الطبيعية. سرعان ما أصبح هذا النمط معروفًا باسم النمط القوطي الدولي وكان سائدًا من عام 1375 إلى عام 1425 مع اكتساب لوحات لوحات تمبرا وألواح مذبح أهمية.

عصر النهضة والتعديل

كانت حركة عصر النهضة (الفرنسية التي تعني "النهضة") ، وهي حركة ثقافية تمتد تقريبًا من القرن الرابع عشر إلى منتصف القرن السابع عشر ، مدفوعة بالنزعة الإنسانية لعصر النهضة ودراسة المصادر الكلاسيكية. في الرسم ، في عشرينيات وثلاثينيات القرن الرابع عشر ، طور الرسامون الرائدون في إيطاليا والبلدان المنخفضة طرقًا جديدة للرسم بشكل منفصل سمحت للرسامين بالظهور بشكل أكثر واقعية مما كانت عليه في أعمال الرسامين الراسخين ، الذين يشار إلى أسلوبهم باسم القوطية الدولية ، أو في بعض حالات مثل Proto-Renaissance (بشكل رئيسي في إيطاليا). هذه الفترة ، التي استمرت حتى حوالي 1495 ، أصبحت تعرف باسم عصر النهضة المبكر.

في منطقة فلاندرز في البلدان المنخفضة ، بعد التطورات التي حدثت في إضاءة المخطوطات ، وخاصة من قبل أخوان ليمبورغ ، الذي توفي عام 1416 ، أصبح الفنانون مفتونين بالملموس في العالم المرئي وبدأوا في تمثيل الأشياء بطريقة طبيعية للغاية. [16] إن اعتماد الرسم الزيتي الذي كان أول استخدام له على اللوحات التقليدية يُنسب إلى جان فان إيك بشكل خاطئ ، مما جعل من الممكن رؤية واقعية جديدة في تصوير هذه الطبيعية. كانت وسيلة الطلاء الزيتي موجودة بالفعل في أعمال Melchior Broederlam (الذي توفي عام 1409) ، لكن روبرت كامبين (المعروف سابقًا باسم Master of Flémalle) وفان إيك جلبوا استخدامه إلى آفاق جديدة وستخدموه لتمثيل الطبيعة الطبيعية لـ التي كانوا يهدفون إليها. باستخدام هذا الوسيط الجديد ، كان رسامو هذه الفترة قادرين على إنشاء ألوان أكثر ثراءً مع درجات لونية عميقة ومكثفة. تميز الوهم بالضوء المتوهج بنهاية شبيهة بالبورسلين بالرسم الهولندي المبكر وكان فرقًا كبيرًا في السطح غير اللامع للطلاء الحراري المستخدم في إيطاليا. [16]

على عكس الإيطاليين ، الذين استمد عملهم بشكل كبير من فن روما القديمة ، احتفظ الشماليون ببقايا أسلوبية للنحت والمخطوطات المضيئة من العصور الوسطى (خاصةً طبيعتها). الرسام الهولندي المهم الآخر في هذه الفترة كان روجير فان دير وايدن ، تلميذ كامبين ، الذي أكدت مؤلفاته على العاطفة الإنسانية والدراما ، على سبيل المثال في كتابه النسب من الصليب ، والذي يُصنف من بين أشهر الأعمال في القرن الخامس عشر وكان اللوحة الأكثر تأثيراً في هولندا عن صلب المسيح. ومن الفنانين المهمين الآخرين هوجو فان دير جويس (الذي كان لعمله تأثير كبير في إيطاليا) وديريك بوتس (الذي كان من بين الرسامين الشماليين الأوائل الذين أظهروا استخدام نقطة تلاشي واحدة) ، [16] بيتروس كريستوس وهانس ميملينج وجيرارد ديفيد . بشكل جماعي ، يُعرف التقدم في الرسم في أوروبا شمال جبال الألب باسم عصر النهضة الشمالية.

في لوحة عصر النهضة الإيطالية ، ألهم فن العصور الكلاسيكية القديمة أسلوب الرسم الذي أكد على المثالية. يعود الفضل إلى Masaccio في إحراز تقدم في المنظور الخطي ، وتصوير الحجم في شخصياته ، وفي تصوير العواطف على وجوه شخصياته في عشرينيات القرن الخامس عشر. ثم ، فنانين مثل باولو أوشيلو ، وفرا أنجيليكو ، وبييرو ديلا فرانشيسكا ، وأندريا مانتيجنا ، وفيليبو ليبي ، وساندرو بوتيتشيلي ، في فترة النهضة المبكرة التي استمرت حوالي 1495 ، ثم ليوناردو دافنشي ، ومايكل أنجلو بوناروتي ، ورافاييل خلال عصر النهضة العالي من حوالي 1495 إلى 1520 ، أخذ الرسم إلى مستوى أعلى من خلال استخدام المنظور ، ودراسة التشريح البشري والتناسب ، ومن خلال تطويرهم لصقل غير مسبوق في تقنيات الرسم والرسم. ظهر أسلوب عصر النهضة العالي أكثر طبيعية إلى حد ما في البندقية. كان رسامو مدرسة البندقية ، مثل جيوفاني بيليني وجورجوني وتيتيان وفيرونيز ، أقل اهتمامًا بالدقة في رسمهم من اهتمامهم بثراء اللون ووحدة التأثير التي يمكن تحقيقها من خلال نهج أكثر عفوية للرسم.

كان للرسامين الفلمنكيين والهولنديين والألمان في عصر النهضة الشمالية العليا مثل ألبريشت دورر ولوكاس كرانش وماتياس جرونيفالد وهانز هولبين الأصغر نهجًا مختلفًا عن نظرائهم الإيطاليين ، نهج أكثر واقعية وأقل مثالية. سافر بعض الرسامين الشماليين ، بدءًا من دورر في تسعينيات القرن التاسع عشر ، إلى إيطاليا لمشاهدة أعمال عصر النهضة الإيطالي العالي وقاموا بدمج ميزات الفن الإيطالي في أعمالهم الخاصة بدرجات متفاوتة. للأعمال الكبيرة بدأت مع Peter Aertsen و Pieter Bruegel. أصبح الجيل اللاحق من رسامي عصر النهضة الشمالي الذين سافروا إلى روما واعتمدوا الكثير من النهج المثالي لعصر النهضة الإيطالي معروفًا باسم الرومانيين.

تعكس لوحة عصر النهضة ثورة الأفكار والعلوم (الفلك والجغرافيا) التي حدثت في هذه الفترة ، والإصلاح واختراع المطبعة. أصبحت صناعة الطباعة ذات أهمية متزايدة ، ويمارسها العديد من الرسامين. يقول دورر ، الذي يُعتبر أحد أعظم صانعي الطباعة ، أن الرسامين ليسوا مجرد حرفيين بل مفكرين أيضًا. مع تطور الرسم على الحامل في عصر النهضة ، اكتسب الرسم الاستقلال عن الهندسة المعمارية. أصبحت اللوحات الحاملة - الصور المتحركة التي يمكن تعليقها بسهولة على الجدران - بديلاً شائعًا للرسومات المثبتة على الأثاث أو الجدران أو الهياكل الأخرى. بعد قرون هيمنت عليها الصور الدينية ، عادت الموضوعات العلمانية ببطء إلى الرسم الغربي. أدرج الفنانون رؤى للعالم من حولهم ، أو منتجات خيالهم في لوحاتهم. يمكن لأولئك الذين يستطيعون تحمل النفقات أن يصبحوا رعاة ويطلبون صورًا لأنفسهم أو لعائلاتهم.

أدى عصر النهضة العالي في إيطاليا إلى ظهور فن منمق يعرف باسم Mannerism بعد عام 1520 ، على الرغم من أن بعض الرسامين ، مثل تيتيان وباولو فيرونيز ، استمروا في الرسم بأسلوب عصر النهضة العالي في أواخر القرن. بدلًا من التراكيب المتوازنة والنهج العقلاني للمنظور الذي ميز الفن في فجر القرن السادس عشر ، سعى المنظرون إلى عدم الاستقرار والبراعة والشك. تم استبدال عذارى رافائيل الهادئة والتعبيرات الهادئة لموضوعات ليوناردو بالتعبيرات المضطربة لـ Pontormo والشدة العاطفية لـ El Greco. التراكيب المضطربة وغير المستقرة ، غالبًا التأثيرات المتطرفة أو المنفصلة للمنظور ، والوضعيات المنمقة هي سمة من سمات Mannerists الإيطالية مثل Tintoretto و Pontormo و Bronzino ، وظهرت لاحقًا في أعمال Mannerists الشمالية مثل Hendrick Goltzius و Bartholomeus Spranger و Joachim Wtewael .

الباروك والروكوكو تحرير

ترتبط اللوحة الباروكية بالحركة الثقافية الباروكية ، وهي حركة غالبًا ما تُعرف بالاستبداد والإصلاح المضاد أو الإحياء الكاثوليكي [17] [18] ، ومع ذلك ، فإن وجود لوحة باروكية مهمة في الدول غير الاستبدادية والبروتستانتية يؤكد أيضًا على شعبيتها ، حيث انتشر النمط في جميع أنحاء أوروبا الغربية. [19]

تتميز لوحة الباروك بالدراما الرائعة والألوان الغنية والعميقة والضوء الشديد والظلال الداكنة بهدف الفن هو إثارة المشاعر والعاطفة بدلاً من العقلانية الهادئة التي تم تقديرها خلال عصر النهضة. كان من بين أوائل الرسامين الباروكيين الأخوين Caracci ، Annibale و Agostino ، في النتيجة الأخيرة من القرن السادس عشر ، وكارافاجيو في العقد الأخير من القرن. يُعرف كارافاجيو بأنه أحد أعظم رسامي الباروك ووريث اللوحة الإنسانية لعصر النهضة العالي. لقد صدم نهجه الواقعي تجاه الشكل البشري ، الذي رسم مباشرة من الحياة وأضاء بشكل كبير على خلفية مظلمة ، معاصريه وفتح فصلًا جديدًا في تاريخ الرسم. كان الباروك هو النمط السائد للرسم ابتداءً من عام 1600 واستمر طوال القرن السابع عشر. من بين أعظم رسامي الباروك روبنز ، فيلاسكيز ، رامبرانت ، فرانس هالس ، يوهانس فيرمير ، لو ناين ، جوسيبي دي ريبيرا ، بوسان ، تور ، وكلود لورين ، الذين ركزوا على رسم المناظر الطبيعية. اعتمد بوسان وكلود ولا تور ، وجميعهم من الفرنسيين ، أسلوبًا باروكيًا "كلاسيكيًا" مع تركيز أقل على العاطفة واهتمام أكبر بالجزء الخارجي من الأشكال في اللوحة أكثر من التركيز على اللون. سافر معظم هؤلاء الرسامين إلى إيطاليا كجزء من تدريبهم ثم عادوا بأسلوب الباروك إلى أوطانهم ، على الرغم من أنهم في بعض الحالات بقوا في إيطاليا لأجزاء كبيرة من حياتهم المهنية (كلود وبوسان). في إيطاليا ، يتجسد أسلوب الباروك في اللوحات الدينية والأسطورية في Grand Manner لفنانين مثل Carracci و Guido Reni و Luca Giordano. بدت اللوحات الجدارية الخيالية لسقف الكنيسة التي رسمها بيترو دا كورتونا وكأنها تفتح على السماء.

ظهر نوع أكثر هدوءًا من الباروك في الجمهورية الهولندية ، حيث كانت لوحات الحامل للموضوعات اليومية شائعة لدى جامعي الطبقة الوسطى ، وأصبح العديد من الرسامين متخصصين في النوع ، والبعض الآخر في المناظر الطبيعية أو المناظر البحرية أو الحياة الساكنة. جلب فيرمير وجيرارد تير بورش وبيتر دي هوش صقلًا تقنيًا رائعًا لرسم المشاهد المحلية ، كما فعل فيليم كلايس. هيدا لا تزال الحياة. على النقيض من ذلك ، برع رامبرانت في رسم كل نوع من الموضوعات ، وطور أسلوبًا رسوميًا فرديًا يفقد فيه chiaroscuro والخلفيات الداكنة المشتقة من Caravaggio و Utrecht Caravaggists جودتها المسرحية. غالبًا ما يشار إلى لوحة الباروك الهولندية باسم لوحة العصر الذهبي الهولندي.

خلال القرن الثامن عشر ، تبعت لوحة الروكوكو امتدادًا أخف للباروك ، وغالبًا ما كانت تافهة ومثيرة وتستخدم ألوان الباستيل الفاتحة. تطورت Rococo أولاً في الفنون الزخرفية والتصميم الداخلي في فرنسا. جلبت خلافة لويس الخامس عشر تغييرًا في فناني البلاط والأزياء الفنية العامة. مثّلت الثلاثينيات من القرن الثامن عشر ذروة تطور الروكوكو في فرنسا الذي تجسد في أعمال أنطوان واتو وفرانسوا باوتشر. لا تزال روكوكو تحافظ على الذوق الباروكي للأشكال المعقدة والأنماط المعقدة ، ولكن بحلول هذه المرحلة ، بدأت في دمج مجموعة متنوعة من الخصائص المتنوعة ، بما في ذلك مذاق التصميمات الشرقية والتركيبات غير المتماثلة.

انتشر أسلوب الروكوكو مع الفنانين الفرنسيين والمنشورات المنقوشة. تم استقباله بسهولة في الأجزاء الكاثوليكية من ألمانيا وبوهيميا والنمسا ، حيث تم دمجه مع تقاليد الباروك الألمانية النابضة بالحياة. تم تطبيق الروكوكو الألمانية بحماس على الكنائس والقصور ، لا سيما في الجنوب ، بينما تطور فريدريكيان روكوكو في مملكة بروسيا.

يمثل الأساتذة الفرنسيون واتو وباوتشر وفراجونارد الأسلوب ، مثل جيوفاني باتيستا تيبولو وجان بابتيست سيميون شاردان الذي اعتبره البعض أفضل رسام فرنسي في القرن الثامن عشر - مكافحة الروكوكو. كانت البورتريه مكونًا مهمًا للرسم في جميع البلدان ، ولكن بشكل خاص في إنجلترا ، حيث كان القادة ويليام هوغارث ، بأسلوب واقعي صريح ، وفرانسيس هايمان ، وأنجيليكا كوفمان (التي كانت سويسرية) ، وتوماس جينزبورو وجوشوا رينولدز في أساليب أكثر إرضاءً. تأثر بأنتوني فان ديك. في فرنسا خلال عصر الروكوكو ، برع جان بابتيست غريوز (الرسام المفضل لديديرو) ، [20] في اللوحات واللوحات التاريخية ، وكان موريس كوينتين دي لا تور وإليزابيث فيجي ليبرون رسامين بارعين للغاية. تخصصت لا تور في الرسم بالباستيل ، والذي أصبح وسيلة شائعة خلال هذه الفترة.

ساعد ويليام هوغارث في تطوير الأساس النظري لجمال الروكوكو. على الرغم من عدم الإشارة إلى الحركة عمدًا ، إلا أنه جادل في كتابه تحليل الجمال (1753) أن الخطوط المتموجة والمنحنيات S البارزة في الروكوكو كانت أساس النعمة والجمال في الفن أو الطبيعة (على عكس الخط المستقيم أو الدائرة في الكلاسيكية). جاءت بداية نهاية الروكوكو في أوائل ستينيات القرن الثامن عشر عندما بدأت شخصيات مثل فولتير وجاك فرانسوا بلونديل في التعبير عن انتقادهم لسطحية الفن وانحطاطه. شجب بلونديل "الخليط المضحك من الأصداف والتنين والقصب وأشجار النخيل والنباتات" في الديكورات الداخلية المعاصرة. [21]

بحلول عام 1785 ، كان الروكوكو قد تجاوز الموضة في فرنسا ، وحل محله ترتيب وجدية الفنانين الكلاسيكيين الجدد مثل جاك لويس ديفيد ، الذي جسدت لوحاته التاريخية التي تصور الأحداث التاريخية والمعاصرة المثل العليا للثورة الفرنسية.

القرن التاسع عشر: الكلاسيكية الجديدة ، رسم التاريخ ، الرومانسية ، الانطباعية ، ما بعد الانطباعية ، تحرير الرمزية

بعد الروكوكو ظهرت في أواخر القرن الثامن عشر ، في الهندسة المعمارية ، ثم في الرسم الكلاسيكي الجديد الصارم ، أفضل تمثيل من قبل فنانين مثل ديفيد ووريثه إنجرس. يحتوي عمل إنجرس بالفعل على الكثير من الشهوانية ، لكن لا شيء من العفوية التي كانت تميز الرومانسية.

بحلول منتصف القرن التاسع عشر ، تحرر الرسامون من مطالب رعايتهم ليصوروا فقط مشاهد من الدين أو الأساطير أو البورتريه أو التاريخ. أصبح الفن أكثر صرامة وسيلة للتعبير الشخصي في أعمال الرسامين مثل فرانسيسكو دي جويا ، وجون كونستابل ، وجي إم دبليو تيرنر. حوّل الرسامون الرومانسيون رسم المناظر الطبيعية إلى نوع رئيسي ، كان يعتبر حتى ذلك الحين نوعًا ثانويًا أو كخلفية زخرفية لتركيبات الشكل. بعض الرسامين الرئيسيين في هذه الفترة هم يوجين ديلاكروا وثيودور جيريكولت وجي إم دبليو تيرنر وكاسبار ديفيد فريدريش وجون كونستابل. يُظهر العمل المتأخر لفرانسيسكو غويا الاهتمام الرومانسي باللاعقلانية ، ويثير عمل أرنولد بوكلين الغموض ، ويجمع عمل جماعة الإخوان المسلمين Pre-Raphaelite في إنجلترا بين التفاني الدؤوب للطبيعة والحنين إلى ثقافة العصور الوسطى ، ولوحات فنان الحركة الجمالية جيمس أبوت يستحضر ماكنيل ويسلر التطور والانحطاط وفلسفة "الفن من أجل الفن". في الولايات المتحدة ، عُرف التقليد الرومانسي لرسم المناظر الطبيعية باسم مدرسة نهر هدسون: [22] من بين المؤيدين توماس كول ، وفريدريك إدوين تشيرش ، وألبرت بيرشتات ، وتوماس موران ، وجون فريدريك كينسيت. كانت اللمعان حركة في رسم المناظر الطبيعية الأمريكية ذات الصلة بمدرسة نهر هدسون.

كانت القوة الرئيسية في التحول نحو الواقعية في منتصف القرن هي غوستاف كوربيه ، التي أساءت لوحاته غير المثالية لعامة الناس المشاهدين الذين اعتادوا على الموضوع التقليدي والنهاية اللعينة للفن الأكاديمي ، لكنها ألهمت العديد من الفنانين الشباب. كما رسم الرسام البارز في مدرسة باربيزون جان فرانسوا ميليت مناظر طبيعية ومشاهد من حياة الفلاحين. كان كاميل كورو مرتبطًا بشكل غير وثيق بمدرسة باربيزون ، حيث رسم أعماله بطريقة رومنسية وواقعية تصورًا مسبقًا للانطباعية ، كما فعلت لوحات يوهان جونغكيند ويوجين بودين (الذي كان من أوائل رسامي المناظر الطبيعية الفرنسيين الذين رسموا في الهواء الطلق). كان لبودين تأثير مهم على الشاب كلود مونيه ، الذي قدمه عام 1857 للرسم على الهواء.

في الثلث الأخير من القرن ، عمل الانطباعيون مثل إدوارد مانيه ، وكلود مونيه ، وبيير أوغست رينوار ، وكاميل بيسارو ، وألفريد سيسلي ، وبيرث موريسو ، وماري كاسات ، وإدغار ديغا في نهج مباشر أكثر مما كان معروضًا في السابق علنًا. لقد تجنبوا الاستعارة والسرد لصالح الاستجابات الفردية للعالم الحديث ، والتي يتم رسمها أحيانًا بقليل من الدراسة التحضيرية أو بدونها ، معتمدين على براعة الرسم ولوحة ألوان عالية. استخدم Monet و Pissarro و Sisley المناظر الطبيعية كعنصر أساسي لهم ، حيث يلعب عابرة الضوء والطقس دورًا رئيسيًا في عملهم. بعد ممارسة أصبحت شائعة بشكل متزايد بحلول منتصف القرن ، غالبًا ما غامروا بالذهاب إلى الريف معًا للرسم في الهواء الطلق ، ولكن ليس للغرض التقليدي المتمثل في تطوير الرسومات إلى أعمال منتهية بعناية في الاستوديو. [23] من خلال الرسم في ضوء الشمس مباشرة من الطبيعة ، والاستخدام الجريء للأصباغ الاصطناعية الحية التي أصبحت متوفرة منذ بداية القرن ، طوروا طريقة رسم أكثر إشراقًا وإشراقًا.

ركز مانيه وديغا ورينوار وموريسو وكاسات في المقام الأول على الإنسان. أعاد كل من مانيه وديغا تفسير الشرائع التصويرية الكلاسيكية في المواقف المعاصرة في حالة مانيه ، حيث قوبلت إعادة التخيل باستقبال عام عدائي. تحولت رينوار وموريسو وكاسات إلى الحياة المنزلية للإلهام ، حيث ركزت رينوار على المرأة العارية. بينما كان سيسلي أكثر التزامًا بالمبادئ الأصلية للإدراك الانطباعي للمناظر الطبيعية ، سعى مونيه إلى تحديات في ظروف لونية ومتغيرة بشكل متزايد ، وبلغت ذروتها في سلسلة أعماله الضخمة لزنابق الماء المرسومة في جيفرني.

قاد ما بعد الانطباعيين مثل بول سيزان وفنسنت فان جوخ الأصغر قليلاً ، وبول غوغان ، وجورج بيير سورات الفن إلى حافة الحداثة. بالنسبة إلى Gauguin ، أفسحت الانطباعية الطريق إلى رمزية شخصية. حول سورات اللون المكسور للانطباعية إلى دراسة بصرية علمية ، مبنية على تركيبات تشبه الإفريز. جذبت تقنية الرسم التي طورها ، والتي أطلق عليها اسم التقسيم ، العديد من الأتباع مثل بول سينياك ، ولبضع سنوات في أواخر ثمانينيات القرن التاسع عشر ، تبنى بيسارو بعضًا من أساليبه.إن طريقة Van Gogh المضطربة لتطبيق الطلاء ، إلى جانب الاستخدام الرنان للون ، والتنبؤ بالتعبيرية و Fauvism ، و Cézanne ، التي ترغب في توحيد التكوين الكلاسيكي مع التجريد الثوري للأشكال الطبيعية ، سيُنظر إليها على أنها مقدمة لفن القرن العشرين .

شعرت موجة الانطباعية في جميع أنحاء العالم ، بما في ذلك الولايات المتحدة ، حيث أصبحت جزءًا لا يتجزأ من لوحة الانطباعيين الأمريكيين مثل تشايلد هسام وجون هنري تواختمان وثيودور روبنسون. كما أنها مارست تأثيرًا على الرسامين الذين لم يكونوا انطباعيين بشكل أساسي من الناحية النظرية ، مثل رسام البورتريه والمناظر الطبيعية جون سنجر سارجنت. في نفس الوقت في أمريكا في مطلع القرن العشرين ، كانت هناك واقعية أصلية وشبه منعزلة ، كما تجسدها بوفرة في العمل الرمزي لتوماس إيكنز ، ومدرسة أشكان ، والمناظر الطبيعية والمناظر البحرية في وينسلو هومر ، وجميع لوحاتهم. لقد استثمروا بعمق في صلابة الأشكال الطبيعية. المشهد البصري ، وهو دافع يعتمد إلى حد كبير على غموض الموسيقى الليلية ، وجد مؤيديه في ألبرت بينكهام رايدر ورالف ألبرت بلاكيلوك.

في أواخر القرن التاسع عشر ، كان هناك أيضًا العديد من مجموعات الرسامين الرمزيين ، غير المتشابهة إلى حد ما ، والذين كان لأعمالهم صدى لدى الفنانين الأصغر سنًا في القرن العشرين ، لا سيما مع الفوفيين والسرياليين. وكان من بينهم جوستاف مورو ، وأوديلون ريدون ، وبيير بوفيس دي شافان ، وهنري فانتين لاتور ، وأرنولد بوكلين ، وفيرديناند هودلر ، وإدوارد مونش ، وفيليسيان روبس ، وجان تروب ، وجوستاف كليمت ، والرموز الروسية مثل ميخائيل فروبل.

استخرج الرسامون الرمزيون الميثولوجيا وصور الأحلام من أجل لغة بصرية للروح ، بحثًا عن لوحات مثيرة للذكريات أعادت إلى الأذهان عالمًا ثابتًا من الصمت. الرموز المستخدمة في الرمزية ليست هي الشعارات المألوفة للأيقونات السائدة ولكنها مراجع شخصية وخاصة وغامضة وغامضة. لقد أثر الرسامون الرمزيون على فلسفة أكثر من كونها أسلوبًا فنيًا حقيقيًا ، وقد أثروا على حركة الفن الحديث المعاصرة و Les Nabis. في استكشافهم للموضوعات التي تشبه الحلم ، تم العثور على الرسامين الرمزيين عبر القرون والثقافات ، كما لا يزالون حتى اليوم ، وصف برنارد ديلفيل سريالية رينيه ماغريت بأنها "رمزية بالإضافة إلى فرويد". [24]

تحرير القرن العشرين

هنري روسو ، 1905 ، سبب مصطلح Fauvism] والوحش الأصلي "Wild Beast"

كان تراث الرسامين مثل Van Gogh و Cézanne و Gauguin و Seurat ضروريًا لتطوير الفن الحديث. في بداية القرن العشرين ، أحدث هنري ماتيس والعديد من الفنانين الشباب الآخرين بما في ذلك جورج براك ، وأندريه ديرين ، وراؤول دوفي ، وموريس دي فلامينك ثورة في عالم الفن في باريس من خلال مناظر طبيعية "برية" ومتعددة الألوان ومعبرة ولوحات شخصية أن النقاد أطلقوا على Fauvism. النسخة الثانية لهنري ماتيس من الرقصة يشير إلى نقطة رئيسية في حياته المهنية وفي تطوير الرسم الحديث. [25] إنه يعكس افتتان ماتيس الأولي بالفن البدائي: الألوان الدافئة الشديدة على خلفية زرقاء وخضراء باردة والتعاقب الإيقاعي للعراة الراقصين ينقلون مشاعر التحرر العاطفي ومذهب المتعة. رسم بابلو بيكاسو لوحاته التكعيبية الأولى بناءً على فكرة سيزان القائلة بأن كل تصوير للطبيعة يمكن اختزاله إلى ثلاث مواد صلبة: المكعب والكرة والمخروط. مع اللوحة Les Demoiselles d'Avignon (1907) ، ابتكر بيكاسو صورة جديدة وجذرية تصور مشهدًا للدعارة مع خمس بائعات هوى ، ونساء مطليات بعنف ، تذكرنا بأقنعة القبائل الأفريقية واختراعاته التكعيبية. تم تطوير التكعيبية بشكل مشترك من حوالي 1908 حتى 1912 من قبل بابلو بيكاسو وجورج براك ، الذي الكمان والشمعدان ، باريس (1910) معروض هنا. تم ممارسة أول مظهر واضح للتكعيبية من قبل براك وبيكاسو وجان ميتزينغر وألبرت جليز وفرناند ليجر وهنري لو فوكونير وروبرت ديلوناي. وسرعان ما انضم خوان جريس ومارسيل دوشامب وألكسندر أرشيبينكو وجوزيف سكاكي وآخرون. [26] يتميز التكعيب الصناعي ، الذي مارسه براك وبيكاسو ، بإدخال مواد مختلفة ، وأسطح ، وعناصر مجمعة ، وكوليه ورق ، ومجموعة كبيرة ومتنوعة من المواد المدمجة. [26]

جلب Salon d'Automne لعام 1905 الشهرة والاهتمام لأعمال Henri Matisse و Fauvism. اكتسبت المجموعة اسمها بعد أن وصف الناقد لويس فوكسسل عملهم بعبارة "Donatello chez les fauves" ("Donatello بين الوحوش البرية") ، [27] مقارنة اللوحات بنحت من طراز عصر النهضة كان يتقاسم الغرفة معهم. [28] مشهد الغابة يرمي الأسد الجائع نفسه على الظباء بواسطة Henri Rousseau (الذي لم يكن Fauve) معلقًا بالقرب من أعمال Matisse وربما يكون قد ألهم المصطلح الساخر المستخدم في الصحافة. [29] طُبع تعليق فوكسسيليس في 17 أكتوبر 1905 في الجريدة اليومية جيل بلاس، وانتقلت إلى الاستخدام الشائع. [28] [30]

في العقدين الأولين من القرن العشرين وبعد التكعيبية ، ظهرت العديد من الحركات المهمة الأخرى المستقبلية (بالا) ، والفن التجريدي (كاندينسكي) دير بلو رايتر (كاندينسكي وفرانز مارك) ، وباوهاوس (كاندينسكي وكلي) ، وأورفيسم ، (ديلوناي و Kupka) و Synchromism (Russell) و De Stijl (van Doesburg and Mondrian) و Suprematism (Malevich) و Constructivism (Tatlin) و Dadaism (Duchamp و Picabia و Arp) و Surrealism (de Chirico و André Breton و Miró و Magritte و Dalí وإرنست). أثرت اللوحة الحديثة على جميع الفنون البصرية ، من العمارة والتصميم الحداثيين ، إلى السينما والمسرح والرقص الحديث ، وأصبحت معملًا تجريبيًا للتعبير عن التجربة البصرية ، من التصوير الفوتوغرافي والشعر الملموس إلى فن الإعلان والأزياء.

Fauvism ، Der Blaue Reiter ، Die Brücke Edit

كانت Fauvism مجموعة فضفاضة من الفنانين في أوائل القرن العشرين الذين ركزت أعمالهم على الصفات الرسامية والاستخدام الخيالي للون العميق على القيم التمثيلية. كان قادة الحركة هنري ماتيس وأندريه ديرين - منافسان ودودان من نوع ما ، ولكل منهما أتباعه. في النهاية أصبح ماتيس يانغ لبيكاسو يين في القرن 20th. شمل رسامو Fauvist ألبرت ماركيه ، وتشارلز كاموين ، وموريس دي فلامينك ، وراؤول دوفي ، وأثون فريزز ، والرسام الهولندي كيس فان دونجن ، وشريك بيكاسو في التكعيبية ، جورج براك من بين آخرين. [31]

لم يكن لدى Fauvism نظريات ملموسة ، ولم تدم طويلاً ، حيث بدأت في عام 1905 وانتهت في عام 1907. كان لديهم ثلاثة معارض فقط. كان يُنظر إلى ماتيس على أنه زعيم الحركة ، بسبب أقدميته في العمر وتأسيسه الذاتي السابق في عالم الفن الأكاديمي. صورته عام 1905 للسيدة. ماتيس ، الشريط الأخضر، ضجة كبيرة في باريس عندما تم عرضها لأول مرة. قال إنه يريد أن يبتكر فنًا يسعدني ، ويمكن القول إن استخدامه للألوان الزاهية يحاول الحفاظ على صفاء التكوين. في عام 1906 بناء على اقتراح تاجره أمبرواز فولارد ، ذهب أندريه ديرين إلى لندن وأنتج سلسلة من اللوحات بما في ذلك تشارينغ كروس بريدج ، لندن بأسلوب Fauvist ، إعادة صياغة المسلسل الشهير للرسام الانطباعي كلود مونيه.

بحلول عام 1907 ، لم تعد Fauvism حركة جديدة صادمة ، وقال أبولينير عن ماتيس في مقال نُشر في لا فالانج، "نحن لسنا هنا في وجود تعهد باهظ أو متطرف: فن ماتيس معقول للغاية." [32]

كانت Die Brücke مجموعة من الفنانين التعبيريين الألمان التي تشكلت في دريسدن عام 1905. الأعضاء المؤسسون هم فريتز بليل وإريك هيكل وإرنست لودفيج كيرشنر وكارل شميدت روتلوف. شمل الأعضاء اللاحقون ماكس بيشستين وأوتو مولر. كان لهذه المجموعة المؤثرة تأثير كبير على تطور الفن الحديث في القرن العشرين وخلقت أسلوب التعبيرية. [33]

كانت Der Blaue Reiter حركة ألمانية استمرت من عام 1911 إلى عام 1914 ، وهي أساسية للتعبيرية. فاسيلي كاندينسكي ، فرانز مارك ، أوغست ماكي ، أليكسيج فون جولينسكي ، الذي رسمته الراقصة الروسية المعبرة نفسياً صورة الكسندر ساخاروف (1909) شوهد هنا ، ماريان فون فيريفكين ، ليونيل فاينينغر وآخرون أسسوا مجموعة Der Blaue Reiter ردًا على رفض لوحة كاندينسكي اخر حكم من معرض. افتقر Der Blaue Reiter إلى بيان فني مركزي ، لكنه تمحور حول Kandinsky و Marc. كما شارك الفنانان غابرييل مونتر وبول كلي. يأتي اسم الحركة من لوحة رسمها كاندينسكي عام 1903. بالنسبة إلى كاندينسكي ، أزرق هو لون الروحانية: كلما كان اللون الأزرق أغمق ، زاد توقظ رغبة الإنسان في الأبدية. [34]

التعبيرية ، الرمزية ، الحداثة الأمريكية ، تحرير باوهاوس

التعبيرية والرمزية هي نماذج واسعة النطاق تتضمن العديد من الحركات ذات الصلة في لوحات القرن العشرين التي هيمنت على الكثير من الفن الطليعي الذي يتم صنعه في أوروبا الغربية والشرقية والشمالية. تم رسم الأعمال التعبيرية إلى حد كبير بين الحرب العالمية الأولى والحرب العالمية الثانية ، ومعظمها في فرنسا وألمانيا والنرويج وروسيا وبلجيكا والنمسا. Fauvism و Die Brücke و Der Blaue Reiter هي ثلاث مجموعات معروفة من الرسامين التعبيريين والرمزيين. لوحة مارك شاغال أنا والقرية يروي قصة سيرة ذاتية تبحث في العلاقة بين الفنان وأصوله ، مع قاموس رمزي فني. غوستاف كليمت ، وإيجون شييل ، وإدوارد مونش ، وإميل نولد ، وحايم سوتين ، وجيمس إنسور ، وأوسكار كوكوشكا ، وإرنست لودفيغ كيرشنر ، وماكس بيكمان ، وفرانز مارك ، وجورج رويلت ، وأميديو موديلياني ، وبعض الأمريكيين في الخارج مثل مارسدن هارتلي وستيوارت ديفيس. يعتبر الرسامين التعبيريين المؤثرين. على الرغم من أن ألبرتو جياكوميتي يُنظر إليه في المقام الأول على أنه نحات سوريالي ، إلا أنه رسم لوحات تعبيرية مكثفة أيضًا.

كان الرسامون الأمريكيون خلال الفترة ما بين الحرب العالمية الأولى والحرب العالمية الثانية يميلون إلى الذهاب إلى أوروبا للاعتراف بهم. خلق الفنانون المعاصرون مثل مارسدن هارتلي وباتريك هنري بروس وجيرالد مورفي وستيوارت ديفيس سمعة طيبة في الخارج. بينما رسم باتريك هنري بروس [35] لوحات ذات صلة بالتكعيب في أوروبا ، قام كل من ستيوارت ديفيس وجيرالد مورفي بعمل لوحات كانت مصدر إلهام مبكر لفن البوب ​​الأمريكي [36] [37] [38] وجرب مارسدن هارتلي التعبيرية. خلال العشرينات من القرن الماضي ، عرض المصور ألفريد ستيغليتز صور جورجيا أوكيف ، وآرثر دوف ، وألفريد هنري مورير ، وتشارلز ديموث ، وجون مارين ، وغيرهم من الفنانين بما في ذلك أساتذة أوروبا هنري ماتيس ، وأوغست رودين ، وهنري روسو ، وبول سيزان ، وبيكاسو ، في مدينته في نيويورك. صالة عرض 291. [39] في أوروبا ، واصل أساتذة مثل هنري ماتيس وبيير بونارد تطوير أساليبهم السردية بشكل مستقل عن أي حركة.

رواد التحرير

روبرت ديلوناي ، 1912 ، نوافذ متزامنة على المدينة، Kunsthalle هامبورغ ، Orphism و Dada

يعتبر فاسيلي كاندينسكي بشكل عام أحد الرسامين المهمين الأوائل للفن التجريدي الحديث. باعتباره حداثيًا مبكرًا ، وضع نظريًا كما فعل علماء التنجيم والثيوصوفيون المعاصرون ، أن التجريد البصري الخالص له اهتزازات ناتجة عن الصوت والموسيقى. افترضوا أن التجريد الخالص يمكن أن يعبر عن الروحانية الخالصة. كانت تجريداته الأولى بشكل عام بعنوان المثال في التكوين السابع، مما يجعل الاتصال بعمل مؤلفي الموسيقى. أدرج كاندينسكي العديد من نظرياته حول الفن التجريدي في كتابه بخصوص الروحانيات في الفن. ومن بين الرواد الرئيسيين الآخرين في التجريد المبكر الرسام السويدي هيلما أف كلينت والرسام الروسي كازيمير ماليفيتش والرسام السويسري بول كلي. كان روبرت ديلوناي فنانًا فرنسيًا مرتبطًا بـ Orphism ، (يذكرنا بالصلة بين التجريد الخالص والتكعيبية). تشير مساهماته الرئيسية في الرسم التجريدي إلى استخدامه الجريء للون وتجربته لكل من العمق والنغمة.

تحرير الدادائية والسريالية

جوان ميرو ، الحصان والأنبوب والزهرة الحمراء، 1920 ، السريالية المبكرة

برز مارسيل دوشامب على الصعيد الدولي في أعقاب معرض مخزن الأسلحة في مدينة نيويورك في عام 1913 حيث كان عارية نزول السلم ، رقم 2 أصبح قضية célèbre. خلق بعد ذلك العروس جردت من العارية من قبل العزاب ، حتى ، الزجاج الكبير. ال زجاج كبير دفع فن الرسم إلى حدود جديدة جذرية تتمثل في الرسم الجزئي ، والكولاج الجزئي ، والبناء الجزئي. أصبح دوشامب (الذي سرعان ما تخلى عن صناعة الفن من أجل الشطرنج) مرتبطًا ارتباطًا وثيقًا بحركة دادا التي بدأت في زيورخ المحايدة بسويسرا خلال الحرب العالمية الأولى وبلغت ذروتها من عام 1916 إلى عام 1920. تضمنت الحركة بشكل أساسي الفنون البصرية والأدب (الشعر والبيانات الفنية. ، ونظرية الفن) والمسرح والتصميم الجرافيكي لتعزيز سياستها المناهضة للحرب ورفض المعايير السائدة في الفن من خلال الأعمال الثقافية المناهضة للفن. ومن بين الفنانين الآخرين المرتبطين بحركة دادا فرانسيس بيكابيا ، ومان راي ، وكيرت شويترز ، وهانا هوش ، وتريستان تزارا ، وهانس ريختر ، وجان آرب ، وصوفي تايوبر آرب. يرتبط دوشامب والعديد من الدادائيين أيضًا بالسريالية ، وهي الحركة التي هيمنت على الرسم الأوروبي في عشرينيات وثلاثينيات القرن الماضي.

في عام 1924 ، نشر أندريه بريتون ملف البيان السريالي. أصبحت الحركة السريالية في الرسم مرادفة للطليعة وتميزت بالفنانين الذين تنوعت أعمالهم من التجريد إلى الواقعيين الفائقين. مع أعمال على الورق مثل آلة بدوره بسرعةواصل فرانسيس بيكابيا مشاركته في حركة دادا حتى عام 1919 في زيورخ وباريس ، قبل أن ينفصل عنها بعد تطوير اهتمام بالفن السريالي. يشتهر إيف تانجوي ورينيه ماغريت وسلفادور دالي بشكل خاص بتصويرهم الواقعي لصور الأحلام والمظاهر الرائعة للخيال. خلال عشرينيات القرن الماضي ، كان عمل أندريه ماسون حاسمًا في مساعدة الفنان الشاب جوان ميرو في العثور على جذوره في الرسم السريالي. ميرو الحقل الحرث (1923-1924) على وشك التجريد مع اقتراح مجموعة معقدة من الأشياء والأشكال وترتيبات الشخصيات النشطة جنسيًا ، كانت أول تحفة سريالية لميرو. [40] كان كل من جوان ميرو وجان آرب وأندريه ماسون وماكس إرنست مؤثرين للغاية ، خاصة في الولايات المتحدة خلال الأربعينيات.

ماكس إرنست ، الذي رسم عام 1920 طائرة القتل يُرى هنا ، درس الفلسفة وعلم النفس في بون وكان مهتمًا بالحقائق البديلة التي يمر بها المجنون. قد تكون لوحاته مستوحاة من دراسة المحلل النفسي سيغموند فرويد لأوهام دانيال بول شريبر المصاب بجنون العظمة. حدد فرويد خيال شريبر بأن تصبح امرأة مجمع الإخصاء. تشير الصورة المركزية لزوجين من الأرجل إلى رغبات شريبر الخنوثة. يقرأ نقش إرنست على ظهر اللوحة: الصورة مثيرة للفضول بسبب تناسقها. الجنسين يوازن أحدهما الآخر. [41]

طوال الثلاثينيات من القرن الماضي ، استمرت السريالية في الظهور بشكل أكبر لعامة الناس. تم تطوير مجموعة سريالية في بريطانيا ، ووفقًا لبريتون ، كان معرض لندن الدولي السريالي لعام 1936 علامة بارزة في تلك الفترة وأصبح نموذجًا للمعارض الدولية. أنتجت مجموعات السريالية في اليابان ، وخاصة في أمريكا اللاتينية ومنطقة البحر الكاريبي والمكسيك أعمالًا مبتكرة ومبتكرة. ومن بين الفنانين السرياليين البارزين الآخرين جورجيو دي شيريكو ، وميري أوبنهايم ، وتوين ، وجريجوار ميشونيز ، وروبرتو ماتا ، وكاي سيج ، وليونورا كارينجتون ، ودوروثيا تانينج ، وليونور فيني.

Neue Sachlichkeit ، الواقعية الاجتماعية ، الإقليمية ، رسم المشهد الأمريكي ، تحرير الرمزية

دييجو ريفيرا ، استجمام رجل على مفترق الطرق (أعيدت تسميته رجل ، مراقب الكون) ، تم إنشاؤه في الأصل عام 1934

خلال عشرينيات وثلاثينيات القرن العشرين والكساد الكبير ، تميز المشهد الفني الأوروبي بالسريالية والتكعيبية المتأخرة و Bauhaus و De Stijl و Dada و Neue Sachlichkeit و Expressionism وكان يشغله رسامو الألوان الحداثيون البارزون مثل Henri Matisse و Pierre Bonnard .

في ألمانيا ظهرت Neue Sachlichkeit ("الموضوعية الجديدة") عندما قام ماكس بيكمان وأوتو ديكس وجورج جروسز وآخرين بتسييس لوحاتهم. نما عمل هؤلاء الفنانين من التعبيرية ، وكان استجابة للتوترات السياسية في جمهورية فايمار ، وكان غالبًا ساخرًا بشكل حاد.

تميزت السياسات اليسارية الراديكالية خلال الثلاثينيات بالعديد من الفنانين المرتبطين بالسريالية ، بما في ذلك بابلو بيكاسو. [42] في 26 أبريل 1937 ، أثناء الحرب الأهلية الإسبانية ، كانت بلدة الباسك جيرنيكا مسرحًا لـ "قصف جيرنيكا" من قبل فيلق كوندور من القوات الألمانية النازية. كان الألمان يهاجمون لدعم جهود فرانسيسكو فرانكو للإطاحة بحكومة الباسك والحكومة الجمهورية الإسبانية. رسم بابلو بيكاسو جدارية بحجمه غيرنيكا لإحياء ذكرى أهوال القصف.

غيرنيكا هي لوحة جدارية ضخمة باللونين الأسود والأبيض يبلغ ارتفاعها 3.5 متر (11 قدمًا) وعرضها 7.8 متر (23 قدمًا) مرسومة بالزيت. تقدم اللوحة الجدارية مشهدًا للموت والعنف والوحشية والمعاناة والعجز دون تصوير أسبابهم المباشرة. يستدعي اختيار الطلاء بالأبيض والأسود طابع صورة الجريدة الفورية. [43] عُرضت اللوحة لأول مرة في باريس عام 1937 ، ثم اسكندنافيا ولندن ، وفي عام 1939 بناءً على طلب بيكاسو ، تم إرسال اللوحة إلى الولايات المتحدة في قرض ممتد (للحفظ) في متحف الفن الحديث. أخيرًا وفقًا لرغبة بيكاسو في إعطاء اللوحة لشعب إسبانيا كهدية ، تم إرسالها إلى إسبانيا في عام 1981.

منذ الكساد الكبير في الثلاثينيات وحتى سنوات الحرب العالمية الثانية ، تميز الفن الأمريكي بالواقعية الاجتماعية ورسم المشهد الأمريكي. سيطرت الحركات الإقليمية التي تضمنت التعليقات السياسية والاجتماعية على عالم الفن في الولايات المتحدة الأمريكية. أصبح فنانون مثل بن شاهن وتوماس هارت بينتون وغرانت وود وجورج توكر وجون ستيوارت كاري وريجينالد مارش وغيرهم بارزين.

القوطية الأمريكية هي لوحة لجرانت وود من عام 1930. تصور مزارعًا مذراة وامرأة أصغر سنًا أمام منزل من طراز كاربنتر القوطي ، وهي واحدة من أكثر الصور شيوعًا في الفن الأمريكي في القرن العشرين. افترض نقاد الفن أنه كان ساخرًا في النية ، وكان يُعتقد أنه جزء من الاتجاه نحو الصور النقدية المتزايدة لأمريكا الريفية التي تجسدها شيروود أندرسون 1919 Winesburg ، أوهايو، سنكلير لويس 1920 شارع رئيسي، وكارل فان فيشتن الكونتيسة الموشومة في الأدب. [44] ومع ذلك ، مع بداية الكساد الكبير ، أصبح يُنظر إلى اللوحة على أنها تصوير لروح الرواد الأمريكيين الصامدة.

شملت نهضة الفنون في أمريكا اللاتينية الرسام الأوروغواياني خواكين توريس غارسيا ، والرسام المكسيكي روفينو تامايو ، وفناني الحركة الجدارية المكسيكية مثل دييغو ريفيرا ، وديفيد سيكيروس ، وخوسيه أوروزكو ، وبيدرو نيل جوميز ، وسانتياغو مارتينيز ديلجادو ، والرموز. الرسامة فريدا كاهلو. نقل رسامو الجداريات رسائل تاريخية وسياسية. ربما اشتهر العالم دييجو ريفيرا بجدارته الجدارية عام 1933 ، رجل على مفترق الطرق، في بهو مبنى RCA في مركز روكفلر.عندما اكتشف راعيه نيلسون روكفلر أن اللوحة الجدارية تتضمن صورة لينين وصور شيوعية أخرى ، أطلق ريفيرا ، وتم تدمير العمل غير المكتمل في النهاية من قبل موظفي روكفلر.

ترتبط أعمال فريدا كاهلو بالسريالية وحركة الواقعية السحرية في الأدب. غالبًا ما تتميز أعمالها بتصويرها الصارخ للألم. من بين 143 لوحة لها 55 صورة ذاتية ، غالبًا ما تتضمن صورًا رمزية لجروحها الجسدية والنفسية. [45]

تحرير التعبيرية المجردة

بشرت الأربعينيات في مدينة نيويورك بانتصار التعبيرية التجريدية الأمريكية ، وهي حركة جمعت الدروس المستفادة من الحداثيين الأوروبيين عبر مدرسين عظماء في أمريكا مثل هانز هوفمان وجون دي جراهام. استفاد الفنانون الأمريكيون من وجود بيت موندريان وفرناند ليجر وماكس إرنست ومجموعة أندريه بريتون ومعرض بيير ماتيس ومعرض بيغي غوغنهايم فن هذا القرن، فضلا عن عوامل أخرى.

كانت السريالية من الناحية الفنية سلفًا مهمًا للتعبير التجريدي بتركيزها على الخلق التلقائي أو التلقائي أو اللاوعي. يعد طلاء جاكسون بولوك المتساقط على لوحة قماشية موضوعة على الأرض تقنية لها جذورها في أعمال أندريه ماسون. من المظاهر المبكرة المهمة الأخرى لما أصبح تعبيرًا تجريديًا هو عمل الفنان الأمريكي الشمالي الغربي مارك توبي ، وخاصة لوحات "الكتابة البيضاء" ، والتي ، على الرغم من أنها ليست كبيرة الحجم بشكل عام ، تتوقع المظهر "الشامل" للوحات بولوك بالتنقيط.

بالإضافة إلى ذلك ، فإن التعبيرية التجريدية لها صورة عن كونها متمردة ، وفوضوية ، وخصوصية للغاية ، ويشعر البعض أنها عدمية إلى حد ما. من الناحية العملية ، يتم تطبيق المصطلح على أي عدد من الفنانين العاملين (في الغالب) في نيويورك والذين لديهم أنماط مختلفة تمامًا ، وحتى يتم تطبيقها على الأعمال التي ليست مجردة ولا تعبيريًا بشكل خاص. تختلف "لوحات الحركة" المفعمة بالحيوية لدى بولوك ، بشعورها "بالانشغال" ، من الناحيتين الفنية والجمالية ، عن اللوحات العنيفة والرائعة نساء سلسلة ويليم دي كونينج. Woman V هي واحدة من سلسلة من ست لوحات رسمها De Kooning بين عامي 1950 و 1953 والتي تصور شخصية نسائية بطول ثلاثة أرباع. بدأ أول هذه اللوحات ، Woman I ، في يونيو 1950 ، وقام بتغيير الصورة ورسمها مرارًا وتكرارًا حتى يناير أو فبراير 1952 ، عندما تم التخلي عن اللوحة غير مكتملة. رأى مؤرخ الفن ماير شابيرو اللوحة في استوديو دي كونينج وشجع الفنان على الاستمرار. كان رد De Kooning هو أن تبدأ ثلاث لوحات أخرى حول نفس الموضوع Woman II و Woman III و Woman IV. خلال صيف عام 1952 ، قضى دي كونينغ في إيست هامبتون ، استكشف الموضوع من خلال الرسومات والباستيل. أنهى عمله على Woman I بحلول نوفمبر 1952 ، وربما اختتمت صور النساء الثلاث الأخريات في نفس الوقت تقريبًا. [49] إن سلسلة امرأة هي بالتأكيد لوحات تصويرية. فنان آخر مهم هو فرانز كلاين ، كما يتضح من لوحاته شارع رئيسي (1950) ، الذي وصف بأنه رسام أكشن بسبب أسلوبه الذي يبدو عفويًا ومكثفًا ، مع التركيز بشكل أقل ، أو عدم التركيز على الإطلاق ، على الأشكال أو الصور ، ولكن على ضربات الفرشاة الفعلية واستخدام القماش.

كلايفورد ستيل ، وبارنيت نيومان ، وأدولف جوتليب ، وكتل الألوان المتلألئة بهدوء في عمل مارك روثكو (وهو ليس ما يُطلق عليه عادةً التعبيري والذي نفاه روثكو كان مجردًا) ، تم تصنيفهم على أنهم تعبيريون مجرد ، وإن كان ذلك مما أسماه كليمنت جرينبيرج اتجاه مجال اللون للتعبير التجريدي. يمكن وصف كل من هانز هوفمان وروبرت مذرويل كممارسين للرسم بالحركة ولون الرسم الميداني.

خلال الخمسينيات لون الرسم الميداني أشار في البداية إلى نوع معين من التعبيرية التجريدية ، وخاصة عمل مارك روثكو وكليفورد ستيل وبارنيت نيومان وروبرت مذرويل وأدولف جوتليب. لقد اشتملت بشكل أساسي على لوحات تجريدية ذات مساحات كبيرة ومسطحة من الألوان تعبر عن المشاعر الحسية والبصرية وخصائص مساحات كبيرة من الأسطح الدقيقة. رأى الناقد الفني كليمنت جرينبيرج أن لوحة Color Field مرتبطة بلوحة الحركة ولكنها تختلف عنها. يتحدث الامتداد الكلي والجشطالت لأعمال رسامي مجال الألوان الأوائل عن تجربة دينية تقريبًا ، مذهولة في مواجهة عالم موسع من الحسية واللون والسطح. خلال الفترة من أوائل إلى منتصف الستينيات لون الرسم الميداني للإشارة إلى أنماط الفنانين مثل جول أوليتسكي ، وكينيث نولاند ، وهيلين فرانكنثالر ، الذين كانت أعمالهم مرتبطة بالجيل الثاني من التعبيرية التجريدية ، وفنانين أصغر سناً مثل لاري زوكس وفرانك ستيلا - كلهم ​​يتحركون في اتجاه جديد.

الواقعية ، والمناظر الطبيعية ، والمناظر البحرية ، والتشكيل ، والحياة الساكنة ، وتحرير سيتي سكيب

خلال الثلاثينيات حتى الستينيات من القرن الماضي ، حيث تطورت اللوحة التجريدية في أمريكا وأوروبا إلى حركات مثل التعبيرية التجريدية ، والرسم الميداني الملون ، والتجريد بعد الرسام ، والفن التشكيلي ، والرسم الصلب ، والفن البسيط ، واللوحة القماشية الشكل ، والتجريد الغنائي. استجاب فنانون آخرون للميل نحو التجريد الذي يسمح للصور بالاستمرار من خلال سياقات جديدة مختلفة مثل الحركة التصويرية لمنطقة الخليج في الخمسينيات والأشكال الجديدة من التعبيرية من الأربعينيات حتى الستينيات. على مدار القرن العشرين ، مارس العديد من الرسامين الواقعية واستخدموا الصور التعبيرية في المناظر الطبيعية واللوحات التصويرية ذات الموضوعات المعاصرة. ومن بينهم فنانين متنوعين مثل ميلتون أفيري ، وجون د. روبرت دي نيرو ، الأب وإلين دي كونينج.

في إيطاليا خلال هذا الوقت ، كان جورجيو موراندي هو الرسام الأول الذي لا يزال قائماً ، حيث استكشف مجموعة متنوعة من الأساليب لتصوير الزجاجات وأدوات المطبخ اليومية. [50]

تُعد صورة Arshile Gorky لـ Willem de Kooning مثالاً على تطور التعبيرية التجريدية من سياق رسم الأشكال والتكعيبية والسريالية. ابتكر مع أصدقائه دي كونينج وجون د. يبدو أن عمل غوركي عبارة عن تحليل دقيق للذاكرة والعاطفة والشكل ، باستخدام الخط واللون للتعبير عن الشعور والطبيعة. [51] [52]

دراسة بعد صورة فيلاسكيز للبابا إنوسنت العاشر، 1953 هي لوحة للفنان الأيرلندي المولد فرانسيس بيكون وهي مثال على التعبيرية الأوروبية في فترة ما بعد الحرب العالمية الثانية. يُظهر العمل نسخة مشوهة من لوحة بورتريه إنوسنت إكس التي رسمها الفنان الإسباني دييجو فيلاسكيز في عام 1650. العمل هو واحد من سلسلة من المتغيرات في لوحة فيلاسكيز التي نفذها بيكون خلال الخمسينيات وأوائل الستينيات من القرن الماضي ، على مدى أربعين. - خمسة أعمال. [53] عندما سُئل عن سبب إجباره على إعادة زيارة الموضوع كثيرًا ، أجاب بيكون أنه ليس لديه أي شيء ضد الباباوات ، وأنه فقط "أراد عذرًا لاستخدام هذه الألوان ، ولا يمكنك إعطاء ملابس عادية ذلك اللون الأرجواني بدون الدخول في نوع من الأسلوب الوهمي الكاذب ". [54] يغضب البابا في هذا الإصدار بالغضب والعدوان ، وتعطي الألوان الداكنة الصورة مظهرًا بشعًا وكابوسًا. [55] ستائر الخلفية المطوية شفافة ويبدو أنها تتساقط من خلال وجه البابا. [56]

كان العمل الرمزي لفرانسيس بيكون ، وفريدا كاهلو ، وإدوارد هوبر ، ولوسيان فرويد ، وأندرو ويث وآخرين بمثابة بديل للتعبير التجريدي. صقور الليل (1942) هي لوحة واقعية لإدوارد هوبر تصور أشخاصًا يجلسون في مطعم وسط المدينة في وقت متأخر من الليل. إنها ليست فقط اللوحة الأكثر شهرة لهوبر ، ولكنها واحدة من أكثر اللوحات شهرة في الفن الأمريكي. الشارع الحضري فارغ خارج المطعم ، ولا يبدو داخل أي من الرعاة الثلاثة أن ينظر أو يتحدث إلى الآخرين ولكن بدلاً من ذلك فقدوا في أفكارهم الخاصة. هذا التصوير للحياة الحضرية الحديثة على أنها فارغة أو وحيدة هو موضوع مشترك في جميع أنحاء عمل هوبر. واحدة من أكثر الصور شهرة في الفن الأمريكي في القرن العشرين هي لوحة تمبرا ويث ، عالم كريستينا، في مجموعة متحف الفن الحديث في مدينة نيويورك. وهو يصور امرأة ملقاة على الأرض في حقل خالي من الأشجار ، معظمه أسمر أسمر ، تنظر للأعلى وتزحف باتجاه منزل رمادي في الأفق ، توجد حظيرة والعديد من المباني الخارجية الصغيرة المجاورة للمنزل. [57]

بعد الحرب العالمية الثانية ، غالبًا ما يشير مصطلح مدرسة باريس إلى Tachisme ، والمكافئ الأوروبي للتعبير التجريدي الأمريكي وهؤلاء الفنانين مرتبطون أيضًا بكوبرا. المؤيدون المهمون هم جان دوبوفيه ، وبيير سولاج ، ونيكولاس دي ستايل ، وهانس هارتونغ ، وسيرج بولياكوف ، وجورج ماثيو ، من بين آخرين. خلال أوائل الخمسينيات من القرن الماضي ، تخلى دوبوفيه (الذي كان دائمًا فنانًا تشكيليًا) ودي ستايل عن التجريد ، وعادا إلى الصور من خلال التصوير والمناظر الطبيعية. يمكن اعتبار عودة De Staël إلى التمثيل (المناظر البحرية ، ولاعبي كرة القدم ، وموسيقيي الجاز ، وطيور النورس) خلال أوائل الخمسينيات من القرن الماضي بمثابة سابقة مؤثرة للحركة التصويرية لمنطقة الخليج الأمريكية ، مثل العديد من الرسامين التجريديين مثل ريتشارد ديبنكورن ، وديفيد بارك ، وإلمر بيشوف ، قام واين ثيبود وناثان أوليفيرا وجوان براون وآخرون بخطوة مماثلة للعودة إلى الصور خلال منتصف الخمسينيات من القرن الماضي. يتنبأ الكثير من أعمال دي ستال المتأخرة - ولا سيما مناظره الطبيعية المجردة في منتصف الخمسينيات - برسم حقل اللون والتجريد الغنائي في الستينيات والسبعينيات. ميلتون أفيري أيضًا من خلال استخدامه للألوان واهتمامه بلوحات المناظر البحرية والمناظر الطبيعية المرتبطة بجانب مجال اللون من التعبيرية التجريدية كما يتجلى من قبل Adolph Gottlieb و Mark Rothko بالإضافة إلى الدروس التي أخذها الرسامون الأمريكيون من أعمال Henri Matisse. [58] [59]

تحرير فن البوب

كان فن البوب ​​ u200b u200b في أمريكا مستوحى إلى حد كبير في البداية من أعمال جاسبر جونز ولاري ريفرز وروبرت راوشنبرغ ، على الرغم من أن لوحات جيرالد مورفي وستيوارت ديفيس وتشارلز ديموث خلال عشرينيات وثلاثينيات القرن الماضي تنبئ بأسلوب وموضوع موسيقى البوب. فن.

في مدينة نيويورك خلال منتصف الخمسينيات من القرن الماضي ، ابتكر Rauschenberg و Johns أعمالًا فنية بدت في البداية أنها استمرار للرسم التعبيري التجريدي. في الواقع ، كانت أعمالهم وأعمال لاري ريفرز انحرافات جذرية عن التعبيرية التجريدية خاصة في استخدام الصور المبتذلة والحرفية وإدراج المواد الدنيوية في عملهم. استخدام Johns للصور والأشياء المختلفة مثل الكراسي والأرقام والأهداف وعلب البيرة ولوحات American Flag Rivers لموضوعات مستمدة من الثقافة الشعبية مثل جورج واشنطن الذي يعبر ولاية ديلاوير ، وإدراج صور من إعلانات مثل الجمل من Camel السجائر وإنشاءات Rauschenberg المدهشة باستخدام شوائب وصور مأخوذة من الثقافة الشعبية ، ومحلات الأجهزة ، وساحات الخردة ، وشوارع المدينة ، والتحنيط ، أدت إلى حركة جذرية جديدة في الفن الأمريكي. في نهاية المطاف بحلول عام 1963 أصبحت الحركة معروفة في جميع أنحاء العالم باسم فن البوب.

يتجسد فن البوب ​​ u200b u200b من قبل الفنانين آندي وارهول وكليس أولدنبورغ ووين ثيبود وجيمس روزنكويست وجيم دين وتوم ويسلمان وروي ليختنشتاين وغيرهم. استخدم Lichtenstein الزيت وطلاء Magna في أعمال مثل الفتاة الغارقة (1963 متحف الفن الحديث ، نيويورك) ، والذي تم الاستيلاء عليه من القصة الرئيسية في DC Comics ' القلوب السرية رقم 83. [60] تعيد الخطوط العريضة السميكة والألوان الجريئة ونقاط Ben-Day إنتاج مظهر الطباعة التجارية. قد يقول ليختنشتاين عن عمله: التعبيريون التجريديون "يضعون الأشياء على القماش ويستجيبون لما فعلوه ، لمواضع وأحجام الألوان. يبدو أسلوبي مختلفًا تمامًا ، لكن طبيعة وضع الخطوط هي نفسها إلى حد كبير أنا فقط لا أبدو وكأنه خط ، مثل بولوك أو كلاين ". [61] يدمج فن البوب ​​ u200b u200b الثقافة الشعبية والجماهيرية مع الفنون الجميلة ، بينما يضخ الفكاهة والسخرية والصور والمحتوى المميز في هذا المزيج. في أكتوبر 1962 أقيم معرض سيدني جانيس الواقعيون الجدد، أول معرض جماعي كبير لفن البوب ​​في معرض أبتاون للفنون في مدينة نيويورك. أرسل العرض موجات صدمة عبر مدرسة نيويورك وتردد صداها في جميع أنحاء العالم. علب حساء كامبل (يشار إليها أحيانًا باسم 32 علب حساء كامبل) هو عنوان عمل فني لآندي وارهول تم إنتاجه في عام 1962. ويتألف من اثنين وثلاثين لوحة قماشية متساوية الحجم ، تتكون كل منها من لوحة من علبة حساء كامبل - واحدة من كل أنواع الحساء المعلب التي تقدمها الشركة في زمن. تم إنتاج اللوحات الفردية باستخدام عملية بالشاشة الحريرية شبه الآلية ، باستخدام أسلوب غير رسامي. لقد ساعدوا في دخول فن البوب ​​كحركة فنية رئيسية اعتمدت على موضوعات من الثقافة الشعبية.

في وقت سابق في إنجلترا عام 1956 هذا المصطلح فن البوب تم استخدامه من قبل لورانس ألوي للوحات التي احتفلت بالنزعة الاستهلاكية لحقبة ما بعد الحرب العالمية الثانية. رفضت هذه الحركة التعبيرية التجريدية وتركيزها على الباطنية التأويلية والنفسية ، لصالح الفن الذي يصور الثقافة الاستهلاكية المادية ، والإعلان ، والأيقونات لعصر الإنتاج الضخم. [62] وكانت الأعمال المبكرة للفنان الإنجليزي ديفيد هوكني مثل دفقة أكبروتعتبر أعمال ريتشارد هاميلتون وبيتر بليك وإدواردو باولوزي أمثلة أساسية في الحركة. في صالات العرض في East Village 10th Street في نيويورك ، كان الفنانون يصوغون نسخة أمريكية من فن البوب. كان لدى Claes Oldenburg واجهة متجره ، وبدأ Green Gallery في شارع 57th في إظهار Tom Wesselmann و James Rosenquist. هناك علاقة بين الأعمال الراديكالية لدوشامب ، ومان راي ، الدادائيين المتمردين - مع روح الدعابة وفناني البوب ​​مثل أليكس كاتز وكلايس أولدنبورغ وآندي وارهول وروي ليشتنشتاين وآخرين.

الفن بروت ، الواقعية الجديدة ، الحركة التصويرية لمنطقة الخليج ، نيو دادا ، تحرير الصورة الواقعية

خلال الخمسينيات والستينيات من القرن الماضي ، تطورت اللوحة التجريدية في أمريكا وأوروبا إلى حركات مثل لوحة Color Field ، وما بعد التجريد الرسومي ، والفن التشكيلي ، والرسم الصلب ، والفن البسيط ، واللوحة القماشية الشكل ، والتجريد الغنائي ، واستمرار التعبيرية التجريدية. استجاب فنانون آخرون للميل نحو التجريد مع Art brut ، [63] كما رأينا في محكمة ليه روز ، 1962 ، بقلم جان دوبوفيه ، فلوكسوس ، نيو دادا ، الواقعية الجديدة ، الواقعية الضوئية ، مما يسمح للصور بالظهور مرة أخرى من خلال سياقات جديدة مختلفة مثل فن البوب ​​، وحركة منطقة الخليج التصويرية (مثال رئيسي هو ديبنكورن سيتي سكيب 1 (منظر رقم 1) (1963) ، وفي وقت لاحق في السبعينيات التعبيرية الجديدة. الحركة التصويرية لمنطقة الخليج ومنهم ديفيد بارك وإلمر بيشوف وناثان أوليفيرا وريتشارد ديبنكورن الذين رسموا سيتي سكيب 1 (1963) هو مثال نموذجي ، حيث ازدهر الأعضاء المؤثرون خلال الخمسينيات والستينيات في كاليفورنيا. مارس الرسامون الأصغر سنًا استخدام الصور بطرق جديدة وجذرية. كان إيف كلاين ، وأرمان ، ومارتيال رايس ، وكريستو ، ونيكي دي سانت فال ، وديفيد هوكني ، وأليكس كاتز ، ومالكولم مورلي ، ورالف جوينجز ، وأودري فلاك ، وريتشارد إستس ، وتشاك كلوز ، وسوزان روتنبرغ ، وإريك فيشل ، وفيجا سيلمينز عددًا قليلًا ممن أصبحوا بارزة بين الستينيات والثمانينيات. كان فيرفيلد بورتر من العصاميين إلى حد كبير ، وأنتج عملاً تمثيليًا في خضم الحركة التعبيرية التجريدية. كانت موضوعاته في المقام الأول المناظر الطبيعية والديكورات الداخلية المحلية وصور للعائلة والأصدقاء وزملائه الفنانين.

خلال الستينيات والسبعينيات أيضًا ، كان هناك رد فعل ضد الرسم. شاهد النقاد مثل دوغلاس كريمب أعمال فنانين مثل Ad Reinhardt ، وأعلنوا "موت الرسم". بدأ الفنانون في ممارسة طرق جديدة لصنع الفن. اكتسبت حركات جديدة مكانة بارزة ، ومنها: Fluxus ، و Event ، و Video art ، و Installation Art Art ، و Sitists ، والفن المفاهيمي ، و Postminimalism ، وفن الأرض ، و arte povera ، وفن الأداء ، وفن الجسد من بين أشياء أخرى. [64] [65]

Neo-Dada هي أيضًا حركة بدأت في الخمسينيات والستينيات من القرن الماضي وكانت مرتبطة بالتعبير التجريدي بالصور فقط. يتجسد هذا الاتجاه ، الذي يتم فيه دمج العناصر المصنعة مع مواد الفنان ، في أعمال جاسبر جونز وروبرت روشنبرغ. كانت "مجموعات" Rauschenberg في الخمسينيات من القرن الماضي رائدة في فن البوب ​​وفن التركيب ، واستفادت من تجميع الأشياء المادية الكبيرة ، بما في ذلك الحيوانات المحنطة والطيور والتصوير التجاري. Rauschenberg و Johns و Larry Rivers و John Chamberlain و Claes Oldenburg و George Segal و Jim Dine و Edward Kienholz من بين آخرين ابتكروا اتفاقيات جديدة في صناعة الفن جعلوها مقبولة في دوائر الفن المعاصر الجادة التضمين الجذري للمواد غير المتوقعة كأجزاء من أعمالهم من الفن. [66] [67]

التجريد الهندسي ، Op Art ، Hard-Edge ، حقل اللون ، Minimal Art ، New Realism Edit

خلال الستينيات والسبعينيات من القرن الماضي ، استمرت اللوحة التجريدية في التطور في أمريكا من خلال أنماط متنوعة. كان التجريد الهندسي ، والفن التشغيلي ، واللوحة الصلبة ، وطلاء Color Field ، والحد الأدنى من الرسم ، بعض الاتجاهات المترابطة للرسم التجريدي المتقدم بالإضافة إلى بعض الحركات الجديدة الأخرى. كان موريس لويس رائدًا مهمًا في رسم Colorfield المتقدم ، ويمكن أن يكون عمله بمثابة جسر بين التعبيرية التجريدية ، والرسم Colorfield ، والفن البسيط. قام مدرسان مؤثران ، هما جوزيف ألبرز وهانز هوفمان ، بتقديم جيل جديد من الفنانين الأمريكيين إلى نظرياتهم المتقدمة عن اللون والفضاء. من الأفضل تذكر ألبرز لعمله كرسام ومنظر تجريدي هندسي. أشهرها مئات اللوحات والمطبوعات التي تشكل المسلسل تحية إلى الساحة. في هذه السلسلة الصارمة ، التي بدأت في عام 1949 ، استكشف ألبرز التفاعلات اللونية مع مربعات ملونة مسطحة مرتبة بشكل مركز على القماش. كانت نظريات ألبرز حول الفن والتعليم تكوينية للجيل القادم من الفنانين. تشكل لوحاته الخاصة أساس كل من الرسم الصلب والفن التشغيلي. جوزيف ألبرز ، هانز هوفمان ، إيليا بولوتوفسكي ، بورغوين ديلر ، فيكتور فاساريلي ، بريدجيت رايلي ، ريتشارد أنوشكيفيتش ، فرانك ستيلا ، موريس لويس ، كينيث نولاند ، [68] إلسورث كيلي ، جون ماكلولين ، بارنيت نيومان ، لاري بونس ، رونالد ديفيز ، جون هويلاند و Larry Zox و Al Held و Mino Argento [69] هم فنانين مرتبطين ارتباطًا وثيقًا بالتجريد الهندسي ، وفن Op ، ولوحة Color Field ، وفي حالة Hofmann و Newman Abstract التعبيرية أيضًا. أغنيس مارتن وروبرت مانجولد وبريس ماردن وجو باير وروبرت ريمان وريتشارد تاتل ونيل ويليامز وديفيد نوفروس وبول موغنسون ، هم أمثلة للفنانين المرتبطين بالحد الأدنى و (استثناءات مارتن وباير وماردين) استخدام القماش المشكل أيضًا خلال الفترة التي بدأت في أوائل الستينيات. اختار العديد من فناني التجريد الهندسي ، والحد الأدنى ، والرسامين المتشددون استخدام حواف الصورة لتحديد شكل اللوحة بدلاً من قبول الشكل المستطيل.في الواقع ، يرتبط استخدام اللوحة القماشية المصممة بشكل أساسي بلوحات الستينيات والسبعينيات من القرن الماضي والتي كانت مجردة بشكل رائع ، أو شكلية ، أو هندسية ، أو موضوعية ، أو عقلانية ، أو نظيفة ، أو حادة الحواف ، أو ذات طابع بسيط. كان كل من معرض Bykert ومعرض Park Place معرضين مهمين ل Minimalism ولوحة قماشية على شكل قماش في مدينة نيويورك خلال الستينيات.

لوحة على شكل لوحة ، مدرسة واشنطن للألوان ، الوهم التجريدي ، تحرير التجريد الغنائي

أشارت لوحة Color Field إلى اتجاه جديد في الرسم الأمريكي ، بعيدًا عن التعبيرية التجريدية. فيما يتعلق بالتجريد اللاحق للرسام ، والتفوق ، والتعبيرية التجريدية ، والرسم شديد الحواف ، والتجريد الغنائي ، [70] سعت لوحة Color Field إلى تخليص فن الخطابة الزائدة عن الحاجة. فنانون مثل Clyfford Still و Mark Rothko و Hans Hofmann و Morris Louis و Jules Olitski و Kenneth Noland و Helen Frankenthaler و Larry Zox وغيرهم رسموا باستخدام الألوان المفصلية والنفسية. بشكل عام ، قام هؤلاء الفنانون بإزالة الصور التي يمكن التعرف عليها. أشار بعض الفنانين إلى الفن في الماضي أو الحاضر ، ولكن بشكل عام فإن الرسم الميداني الملون يقدم التجريد كغاية في حد ذاته. في متابعة هذا الاتجاه للفن الحديث ، أراد الفنانون تقديم كل لوحة كصورة واحدة متماسكة ومتجانسة. كان جين ديفيس مع كينيث نولاند وموريس لويس وعدة أشخاص آخرين عضوًا في رسامي مدرسة واشنطن للألوان الذين بدأوا في إنشاء لوحات Color Field في واشنطن العاصمة خلال الخمسينيات والستينيات ، أسود ، رمادي ، فاز هي لوحة شريطية عمودية كبيرة ونموذجية لعمل جين ديفيس. فرانك ستيلا وكينيث نولاند وإلسورث كيلي وبارنيت نيومان ورونالد ديفيس ونيل ويليامز وروبرت مانجولد وتشارلز هينمان وريتشارد تاتل وديفيد نوفروس وآل لوفينج أمثلة على الفنانين المرتبطين باستخدام القماش المشكل خلال الفترة التي تبدأ في أوائل الستينيات.

منذ عام 1960 ، أنتج فرانك ستيلا لوحات من الألمنيوم والنحاس وأعماله الأولى باستخدام اللوحات القماشية (اللوحات في شكل غير المستطيل أو المربع التقليدي) ، وغالبًا ما تكون بأشكال L أو N أو U أو T. تطورت هذه لاحقًا إلى تصميمات أكثر تفصيلاً ، في مضلع غير منتظم مسلسل (1967) على سبيل المثال. في وقت لاحق بدأ عمله سلسلة منقلة (1971) من اللوحات ، حيث يتم ترتيب الأقواس ، متداخلة أحيانًا ، داخل حدود مربعة جنبًا إلى جنب لإنتاج دوائر كاملة ونصف دائرية مطلية بحلقات متحدة المركز. حران الثاني 1967 ، هو مثال على سلسلة منقلة.

كان معرض Andre Emmerich ، ومعرض Leo Castelli ، ومعرض Richard Feigen ، ومعرض Park Place معرضًا مهمًا لطلاء Color Field ، واللوحة القماشية الشكل ، والتجريد الغنائي في مدينة نيويورك خلال الستينيات. هناك ارتباط مع التجريد اللاحق للرسام ، والذي كان رد فعل ضد تصوف التعبيرات التجريدية ، والذاتية المفرطة ، والتأكيد على جعل عمل الرسم نفسه مرئيًا بشكل كبير - بالإضافة إلى القبول الرسمي للمستطيل المسطح كشرط أساسي تقريبًا للطقوس اللوحة الجادة. خلال الستينيات من القرن الماضي ، كانت لوحة Color Field والفن البسيط مرتبطة ارتباطًا وثيقًا ببعضها البعض. في الواقع ، بحلول أوائل السبعينيات ، أصبحت كلتا الحركتين متنوعتين بالتأكيد.

الغنائي التجريدي (المصطلح الذي صاغه لاري ألدريتش ، مؤسس متحف ألدريتش للفن المعاصر ، ريدجفيلد كونيتيكت) ، شمل ما قال ألدريتش إنه رآه في استوديوهات العديد من الفنانين في ذلك الوقت. [71] وهو أيضًا اسم معرض نشأ في متحف Aldrich وسافر إلى متحف ويتني للفن الأمريكي ومتاحف أخرى في جميع أنحاء الولايات المتحدة بين عامي 1969 و 1971. [72] التجريد الغنائي هو نوع من الرسم التجريدي الحر. التي ظهرت في منتصف الستينيات عندما عاد الرسامون المجردون إلى أشكال مختلفة من الرسم ، والتصوير ، والتعبيرية مع التركيز السائد على العمليات ، والجشطالت ، والاستراتيجيات التركيبية المتكررة بشكل عام. [73] [74] على النقيض من الرسم الآكشن ، حيث يتم التركيز على ضربات الفرشاة والدراما التركيبية العالية ، في التجريد الغنائي - كما يتضح من لوحة روني لاندفيلد عام 1971 حديقة البهجة—هناك شعور بالعشوائية التركيبية ، والدراما التركيبية المريحة والتركيز على العملية ، والتكرار ، والحساسية الشاملة. يتميز التجريد الغنائي في أواخر الستينيات بلوحات دان كريستنسن وروني لاندفيلد وبيتر يونغ وآخرين ، جنبًا إلى جنب مع حركة Fluxus و Postminimalism (مصطلح صاغه لأول مرة روبرت بينكوس ويتن في صفحات Artforum في عام 1969) [ 75] لتوسيع حدود الرسم التجريدي والبساطة من خلال التركيز على العملية والمواد الجديدة وطرق التعبير الجديدة. غالبًا ما يتجسد مفهوم ما بعد الحد الأدنى الذي يتضمن المواد الصناعية والمواد الخام والتصنيع والأشياء التي تم العثور عليها والتركيب والتكرار المتسلسل وغالبًا مع الإشارات إلى الدادا والسريالية في منحوتات إيفا هيس. [75] التجريد الغنائي ، الفن المفاهيمي ، ما بعد الحد الأدنى ، فن الأرض ، الفيديو ، فن الأداء ، فن التركيب ، جنبًا إلى جنب مع استمرار Fluxus ، التعبيرية التجريدية ، الرسم في مجال الألوان ، الرسم الصلب ، الفن البسيط ، الفن التشكيلي ، فن البوب ​​، وسعت الواقعية الواقعية والواقعية الجديدة حدود الفن المعاصر في منتصف الستينيات حتى السبعينيات. [76]


عزر الشكل المتعلم ورعاة التابوت اليهود

تزامنت الشعبية الواسعة لمجسم الشكل المكتوب مع ارتفاع شعبية دفن التابوت الحجري وطفرة الصور في القرن الثالث. كما أنه يتوافق مع ظهور السفسطائي الثاني ، عاصفة كاملة من الظروف التي عززت انتشار هذا النمط المعين من تمثيل الذات. 52 لم تكن الصور ذات الشكل المجازي المكتسب هي الشكل الأكثر شيوعًا للتمثيل في هذه الفترة فحسب ، بل كانت الاستعارات والزخارف الطبيعية من المجال المكتسب في المرتبة الثالثة في السباق على معظم الأشكال الثانوية الشائعة في برامج النحت من التوابيت ، خلفها. فقط كيوبيدز وتجسيدات الفصول. 53 في الواقع ، في القرنين الثالث والرابع ، تم اختيار فكرة الشكل المتعلم من قبل مجموعة دائمة التوسع من رعاة التابوت في مدينة روما. تم استخدام التصميم العصري من قبل رعاة من خلفيات متنوعة ومن جميع مناحي الحياة. 54

من خلال استخدام هذا النوع الشائع للغاية ، تجاوز الرعاة اليهود عددًا من الاستعارات الشعبية الأخرى ، بما في ذلك تصوير المتوفى كشخصيات أسطورية أو صيادين ، أو مشاركين في طقوس. 55 علاوة على ذلك ، فإن انتشار مجاز الشكل المكتوب في النحت الرأسي للرعاة اليهود مثير للاهتمام بشكل خاص ، لأن هذا المجاز يمثل المكانة المثقفة - ومحو الأمية الثقافية - للفرد بطريقة عامة جدًا ، دون رسم إشارات صريحة إلى أي شخص بعينه. عالم الأدب الروماني أو التعلم. 56 وبدلاً من ذلك ، أكد الشكل المكتوب على توابيت من روما على فضائل أكثر غموضًا وعامة مرتبطة بالعالم الفكري للإمبراطورية الرومانية - فضائل كان من الصعب تحديدها ولكنها مع ذلك مرتبطة "بالصفات الفردية والهوية الشخصية أكثر من المعايير المؤسسية. " 57

تابوت موسى ذو الشكل المتعلم ، القرن الثالث. CE ، الرخام. روما. بازيليكا دي سان سابا ، روما.

(بإذن من Deutsches Archäologisches Institut ، Rom. D-DAI-ROM-33.1175).


شاهد الفيديو: Thassos Island, Greece 2017 (ديسمبر 2021).